Um samba nunca conta uma história sozinho. Quando um acorde, um verso, uma batida ou um balbucio são jogados no ar na intenção de fazê-lo, se expandem círculos de história sobre pilares de ritmos, camadas técnicas e ornamentos culturais os mais diversos. Também por isso, ele nunca se esgota. E é um pouco disso que Isto Dando Samba, novo álbum de Marco Scarassatti, demonstra. 

Scarassatti é um compositor contemporâneo cuja produção é voltada à música experimental em abordagem ampla: improvisação, construção de instrumentos e esculturas sonoras, field recording, dentre outras. Diante de sua longa trajetória na música experimental, da pesquisa extensa sobre Walter Smetak e da imersão no candomblé, não surpreende que Scarassatti chegue agora a um disco de samba. 

O samba de Scarassatti já começa esperto pelo título, que ecoa foneticamente o clássico Estudando o Samba, de Tom Zé. A associação, porém, vai além do trocadilho: ambos são herdeiros da escola de invenção que Walter Smetak ajudou a consolidar na Bahia a partir dos anos 1960, e os paralelos entre suas ideias composicionais aparecem também nos processos criativos. 

Se Tom Zé, em 1974, construiu Estudando o Samba a partir do contraponto e da sobreposição de fragmentos, Scarassatti também trabalha por provocação e montagem. O compositor enviou uma áudio-partitura para que diferentes colaboradores a interpretassem livremente. Depois, reorganizou o material em sua própria linha de montagem, aproximando peças por similaridade e combinação. Há alguma analogia nos processos. 

A tal áudio-partitura disparadora do conjunto que iria se formar é também o tal centro gravitacional da composição que poderia chamarmos de isto, a matéria-prima sonora da qual a mixagem tomará conta. A música nasce na intermitência entre a materialidade e o intangível: de um lado, a fricção entre corpo e instrumento; de outro, a fugacidade da onda sonora em suas mais distintas e complexas propriedades. 

Por fim o dando, para saírmos dessa eterna introdução, e sem passar pela quinta série ao focar nesse verbo, no gerúndio, dá ideia de continuidade. O samba segue podendo ser interpretado e perpetuado em diversas formas, caminhos e abordagens. Esta, que vem disto é mais uma. Assim como estava curiosa para saber como Ajítenà Marco Sacarassatti conseguiria transportar a obra para ao vivo - o que aconteceu, no último dia 27 de maio, em São Paulo.

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Isto Dando Samba foi lançado em abril e tem, ao todo, 50 minutos, que se dividem de maneira mais ou menos igual em 6 peças. A primeira traz, logo de início, a voz limpa e ancestral de Juçara Marçal. Dos instrumentos, destacam-se a cuíca de Paulinho Bicolor e o som do próprio instrumento-chave de Scarassatti, o pássaro cocho moldado em uma cabaça. E também, de cara, uma surpresa: Marcos Campello assume o trompete e o pandeiro. Guitarrista de destaque, ele também vai assumir adiante o bandolim. 

Já na segunda faixa, é o violão com caixinha de fósforo de Gustavo Infante que introduz o universo que iremos adentrar. Por ser um virtuose do violão e tocá-lo de uma maneira complexa e límpida, tal como bom discípulo e conhecedor de Caymmi, dá até para imaginar que a dupla violão e caixinha de fósforo que o músico utiliza poderiam ter sido tocados separadamente. Mas, no show ao vivo, pude ver que não, a caixinha está ali acoplada a um das cordas e ele vai tecendo o som de ambos ao mesmo tempo, com espécies de scratches na corda que, logo adiante, vão se combinar com as manipulações eletrônicas que dão um tom talvez futurista esse samba. E para acompanhar tudo isso, as rimas espertas de Matéria Prima. 

Espertas não só pela malandragem dos versos, mas pelo tom que o rapper imprime em sua voz. Em algum momento do disco, posso enxergar Marco Scarassatti passeando pelos terreiros das bordas da cidade de Belo Horizonte, ouvindo e processando os sambas e compassos que eles produzem e reproduzem, por exemplo, no carnaval. O desenho imaginário desse território, que é invocado pela sonoridade criada no álbum, é como um risco riscado - tracejado de aventura; ritual e improviso.  

Certamente que Isto Dando Samba é uma construção que parte de um lugar não enraizado, fincado na oralidade e que multiplica as encruzilhadas no caminho. A voz impressa de Negro Leo fica no limiar da construção para o fonograma não-cancional que se desenha. Enquanto a participação de Rossano com surdo e atabaque retomam a profundidade do ritmo e seu aspecto mais grave. 

No lado A, as três primeiras peças e seus processos de desvelamento do samba em mínimas partes me lembraram ainda outras obras que buscaram o mesmo intento. Até pelo nome, me veio à cabeça Isso vai dar repercussão, de Itamar Assumpção e Naná Vasconcelos — um fazendo miséria na melodia, o outro no ritmo. Além de uma das últimas jogadas de mestre de Jards Macalé (e qual não foi, né?) junto ao Sérgio Krakowski trio ao reler Zé Keti. 

Já no lado B, Juçara mumunha com a voz como se contasse uma nova história, mas também desenhando um novo campo. O que vem limpo como um mar sem revoltas é o dedilhado do violão, entrecortado por pequenas correntes do cavaquinho que evoca o Brasileirinho. E a um certo ponto, a gente se pergunta, isto o que? O hino. E da nação se faz um ebó. 

É como se pudéssemos ainda pensar que, ao fim e ao cabo, o século XXI ainda tem mentes-criantes que jogam (ou debocham?) daquela velha guerra nacional popular à qual, de tempos em tempos, tenta-se criar em torno do samba - e que o próprio Tom Zé, com seu “estudo”, subverteu em tempos de chumbo e o relegou a uma outra estante da música popular brasileira. 

Mas ora, o experimental também é popular, pop e político. E, como diz o meme que Ewerton Belico me mandou, “mas vocês só falam de política? sim, se quiser falar de amor, fale com o Marcinho”. E então, Marco Scarassatti inscreve mais uma obra, talvez uma das mais relevantes de seu catálogo, para que as presentes e futuras gerações se debrucem. 

Ao todo, 16 músicos participaram da construção do álbum: Juçara Marçal, Inês Terra, Negro Leo, Matéria Prima, Mbé, Flavia Goa, Felipe José, Gustavo Infante, Dudu Pinheiro, Jonatah Cardoso, Marcos Campello, Antônio Beirão, Marcos Alves, Rossano, Paulinho Bicolor e Yuri Vellasco. Além de João Viana na mix e Nelson Pinton na master.

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Escrevi sobre a estreia de Cangaço Novo, o que considero os erros e acertos de seu roteiro e sua inovadora trilha sonora em 2023.

De lá pra cá, dá para sentir que as atuações, que já eram boas, estão ainda mais fluidas — tanto dos protagonistas quanto dos coadjuvantes. A estética reconhecível da produtora O2 de ação à brasileira, aqui aplicada a um gênero já autônomo como é o caso do nordestern, surge minimizada com a proximidade dos enquadramentos; ângulos que parecem muitas vezes não retratar uma cena, mas estar à espreita do que vê; e os movimentos de câmera na mão. 

Como em cada naco de terra do chamado Brasil profundo, especialmente aquele que chamamos de sertão, Cratará segue impregnada pelas dinâmicas de coronelismo, enxada e voto atualizadas para o Brasil de 2026. Ou seria de 2014? Isso porque, se na representação das eleições municipais que apareceram previamente já se enxergava um partido vermelho e outro azul, com motivações sociais, de um lado, e neoextrativistas, de outro, agora temos uma cena que é o auge da alegoria do Brasil pré-polarizado. 

Infelizmente, não tem imagens disponíveis na internet para eu poder mostrar a comparação entre o comício de Gastão Maleiro, filho de um senador, aguardando o resultado da eleição, de camisa branca e calça jeans, e o de Aécio Neves no dia de sua derrota para Dilma Rousseff. Os paralelos são explícitos: a linhagem familiar, as cores do partido, as fungadas e a mão limpando o nariz (de algum pó branco misterioso) e a decepção com o resultado. 

Mas um dos aspectos que compõem esse cenário sociopolítico do sertão se sobressai na 2ª temporada: o papel da religião. Já tinha falado sobre isso no texto anterior, mas apontando a tia Zeza como a figura de liderança espiritual, papel que a história vai desenhando para recair sobre Dilvânia nessa nova etapa da narrativa.

E é nesse encontro entre ação, dor e talvez alguma fé, nem que essa seja no fazer justiça com as próprias mãos, que temos o grande primeiro momento da trilha: quando entra o “Ponto para Preto Velho”, gravado por Alessandra Leão no disco Macumbas e Catimbós, junto a Mateus Aleluia. Catarse certa.

https://www.youtube.com/watch?v=sW4fvuTdDp4

Mais à frente nos capítulos aparecerá também “Exu Odara”, de Kiko Dinucci, do disco Rastilho, que ganhou um novo fonograma exclusivo para a série, segundo a Ambulante Music. 

Já no segundo episódio, qual não é a surpresa de vermos, numa vaquejada, o nosso príncipe do piseiro João Gomes. Mas não como trilha do festejo, digamos, carnal do evento: essa parte tem, por exemplo, João Paulo Vaqueiro e Sirano. O cantor entra literalmente em cena para interpretar a “Ave Maria Sertaneja”, gravada por Luiz Gonzaga na década de 1960, dentro da arena do rodeio, em uma cena calculada para arrancar emoção dos espectadores. 

https://www.youtube.com/watch?v=PsooOU_5QQo

https://www.youtube.com/watch?v=5cS3JTh521o

https://www.youtube.com/watch?v=KuUCKz7PLSI&list=PLzRzQBlZoOTFDamX9AwbpLJXF0MKEE-Jd&index=5

Vendo a sequência das músicas, assim, mesmo sendo por link do YT, dá pra sentir a progressão do arranjo de sentimentos que vão sendo emulados: animação, felicidade e, de repente, fervor. 

As ações de roubo a banco coordenadas pelo bando dos novos cangaceiros não seriam possíveis sem uma ligação espúria com membros (ou ex-membros) do Exército Brasileiro, que servem de ponte para aquisição de armas e outros equipamentos. Destaco a atuação de Rafael Losso, como Raul, e, permitam-me uma digressão nesse ponto: há um grande ganho estético, social e moral do Brasil nos últimos anos, que é a valorização da cultura, do território e da beleza nortista. Xamã é o galã que merecíamos e precisávamos (de tirar o fôlego em todas as suas aparições — perdão, héteros). 

Voltando à ficção, entre tiros, explosões, palavrões e fugas, a música do Baiana System está lá dando o tom. E, nessa temporada, a banda contribui com composições inéditas — inclusive em parceria com Alice Carvalho, atriz que interpreta a protagonista Dinorah. É fácil identificar aqui como as coisas se conversam, porque ela é figura presente em muitos shows do grupo, dentro e fora do carnaval. 

Se na primeira temporada a gente tinha eles junto com VANDAL em “BALAH IH FOGOH”, agora temos quatro faixas inéditas. Ou, como tem sido chamado por aí, uma espécie de “opereta”.  

https://open.spotify.com/intl-pt/album/74aUOoP7mbxuK9nFPPpilq?si=KdtBLZE-TE2OFaXu6utXoA

Outra grata surpresa da longa e complexa trilha de Cangaço Novo 2 é a presença de Crizin da ZO, com “De Repente”, do disco Acelero. A percussividade da faixa, o ritmo do funk explorado nas batidas e no vocal, somados às camadas de timbres que incluem cordas e uma ambiência aguda se adequam ao clima árido da série.

Depois de muitos capítulos de tensão, finalmente temos novas cenas de pegação entre Ubaldo e Leiniane. E a que me pegou mesmo é a que entra “Rota de Colisão”, de Josyara. No enquadramento, apenas o rosto da atriz Hermila Guedes, sob um céu dourado de fim de tarde, entra se balançando, com ela cavalgando. Como não vemos seu corpo, a brincadeira do roteirista com o espectador aqui, me parece, é: ela de fato está cavalgando, mas, por 5 segundos, sua cabeça pensa: “em quê?”. O plano se abre e mostra ela e Ubaldo a cavalo e, logo depois, protagonizando cenas quentes num pequeno açude. Eu não me aguentei de rir. 

A escolha das músicas para a trilha não prescinde, como na primeira temporada, de vozes clássicas da “nordestinidade”. Temos Zé Ramalho com uma versão em português de Bob Dylan, “Pedras que rolam” (Like a Rolling Stone) e “A terceira lâmina”; Vital Farias, com “Pra você gostar de mim”; da sempre emocionante “Na hora do almoço”, de Belchior; e uma versão contemporânea de China e Yuri Queiroga para “Nunca Mais”, de Odair José.

Outros músicos de destaque da trilha, além do próprio Beto Villares e Fil Pinheiro, são o próprio Yuri Queiroga, Siba e Fernando Catatau. 

O fim da temporada dá a entender que haverá continuação. O encerramento, com uma cena um tanto apoteótica, é acompanhado pela interpretação de Thainá Duarte, a Dilvânia, de “Fênix”, da paraibana Cátia de França — faixa do mais recente álbum No Rastro de Catarina.

Esses são alguns apontamentos sobre a trilha — ainda tem mais músicas e musicistas importantes aí no meio, mas vale ver a série para pegar as referências por completo. O ideal para esse texto era mesmo ter entrevistado Beto Villares — se ele topar, estou aqui. 

Só queria insistir em algumas questões de roteiro que ainda me pegam.

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Onde vai parar o sangue dos executados dentro dos carros, que esse povo nem limpa e já vai dirigindo os mesmos de novo? Como limparam o sangue que espirrou na janela do ônibus, depois do último assalto, tão rápido — a  ponto de passar a janela limpinha pela blitz da polícia, com o gago dirigindo? Como que deixaram pra trás, sem enterrar, o corpo do Carioca — o que, de fato, fez com que Ubaldo fosse preso? Por fim, a ver se a terceira temporada vai encontrar a arma que Dilvânia largou, com todas as digitais, ao lado do carro de Gastão. 

Ps: Por mais que a série seja inspirada numa história real, deixo uma questão aos entendidos: os assaltos mirabolantes a bancos que aconteceram nos últimos anos, tinham ou não relação com as facções? Eu sei que estamos falando de ficção, mas fico curiosa com a realidade. Vou pesquisar, mas se alguém quiser adiantar, fique à vontade. 

Desfrutem

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Não pouparei adjetivos para falar sobre esse disco, porque cada detalhe dele é de uma beleza suprema. Mas, primeiro, vou apresentar seu autor: Otis Selimane nasceu em Moçambique, começou a estudar música aos sete anos, escolhendo a bateria ainda aos dez. Em 2015, veio para o Brasil e, aqui, se formou em Música Popular e Jazz Performance pela UNICAMP. Atualmente, cursa mestrado em Musicologia na UFU. 

Percussionista, baterista, cantor, compositor e educador, ele construiu no Brasil uma atuação pública que vai além dos palcos: é fundador da festa Sons D'África, voltada aos africanos em diáspora no país, e criou a sua própria produtora, a Xiphefu Produções. Otis já colaborou com nomes como Tássia Reis, Tiganá Santana, Luedji Luna, Curumin, Iara Rennó e François Muleka — só para citar alguns. Em reconhecimento a esse trabalho de conexão entre culturas, o portal Bantumen o incluiu entre as cem personalidades mais influentes da lusofonia.

Em 2021, lançou Tumbuluku — palavra em changana que significa "saudação à origem" —, apresentado no SESC Jazz daquele ano. Apresentou-se com o The Otis Project, banda que venceu o Prêmio Novos Talentos do Jazz em 2018. O disco mostrou com clareza a proposta de Selimane: articular referências africanas, jazz, neo-soul e rap. 

Agora, cinco anos depois, ele lançou Músicas de Mbira e outros contos bantu. Neste disco, Otis criou um instrumental peculiar, utilizando apenas a mbira, em duas de suas variações: a Nyunga Nyunga e a Dza Vadzimu, distintas em timbre, afinação e tradição. 

Mbira x Kalimba

Mbira e kalimba são instrumentos da mesma família, mas a mbira é a forma tradicional africana, com afinações e usos culturais mais específicos, enquanto a kalimba é uma versão mais moderna e simplificada.

O disco percorre o repertório tradicional de países como Moçambique, Angola, Zimbábue e Zâmbia; faz releituras de compositores afro-brasileiros e integra poesia falada e cantada por poetas angolanos, moçambicanos e sul-africanos que narram, em suas línguas nativas, histórias do cotidiano, o matriarcado, memórias pós-guerra e a transmissão dos saberes bantu entre gerações. O fio condutor do repertório é, portanto, a cultura negra afro-diaspórica e suas múltiplas sementes espalhadas no continente e ao longo do Atlântico. 

O ponto de partida foi um single gravado de forma independente: composição autoral de Selimane no disco, que também o encerra: “É tanto que eu peço a Deus”. A partir desse registro mais íntimo, o músico selecionou as demais faixas do álbum -- 15 no total -- que reposiciona a mbira como um instrumento que entra em diálogo com a canção popular, explorando o campo da experimentação, sem perder de vista a tradição que a sustenta, inclusive em contextos rituais. 

Ao conversar com Otis sobre o disco, ele me contou que gravou três camadas de mbira em cada faixa para que soasse as dimensões ritmica, melódica e harmônica, desmistificando a suposição sobre a monotonia do instrumento.

 "Existe um swing que está sendo proposto aqui, um balanço que está em outro lugar, que não está na coisa super badalada, mas que tem movimento", explica o músico.

O despertar da "Nova Temporada"

“New Season” é a faixa de abertura. Inicia-se com a poeta sul-africana Clarah Watson recitando um texto que mescla zulu e inglês e presta homenagem a Otis e à trajetória que ele vem traçando aqui no Brasil -- ela própria também reside no país. Já a música, um louvor composto pelo músico cristão americano Israel Houghton, fala da chegada de um novo momento, de uma temporada de prosperidade que se anuncia. A escolha da faixa, principalmente por ela ser a primeira, já diz muito sobre o escopo do projeto. 

A sensação ao ouvi-la remete àquela que “Feeling Good”, de Nina Simone, que é o de tomar consciência das pequenas (grandes) coisas do cotidiano com leveza. Assim, texto e canção, em consonância com a voz feminina falada e a masculina cantada, vão se encaixando, transformando o louvor em algo próximo a uma declaração de intenção para o que vem a seguir.

A segunda faixa reúne três canções do universo zimbabweano, amarrando os fios de tradição que costuram o disco em suas muitas camadas de referência ao território africano. “Zvichapera” — "tudo isso passará", em shona — é uma das composições mais conhecidas de Chiwoniso Maraire, filha do mestre da mbira Dumisani Maraire, que morreu em 2013 aos 37 anos.“Vana Vanogwara”, também associada a Chiwoniso, significa "as crianças lamentam". “Mugara Ndega”, ligada ao repertório do músico zimbabueano Thomas Mapfumo, músico do Zimbábue que também se tornou conhecido por sua atuação política no país. O medley das três juntas formam uma sequência que transita entre luto, resistência e memória, com a mbira traduzindo-se em sua tradição mais funda.

Sobre as participações, que estão presentes em 14 das 15 faixas, o músic diz:

“[...] alguns encontros foram acontecendo por afinidade, por a gente estar num momento que tá próximo. E aí eu falava assim, pô, quando a gente tá produzindo alguma coisa, a gente tá muito poroso, né? Poroso para receber e para se conectar com as coisas, a gente fica sendo afetado por tudo o que está acontecendo. Então, tem algumas pessoas que acabaram entrando no álbum por causa disso.”

Diálogos lusófonos e contemporâneos 

“Aquerer” é, agora sim, uma canção em português. Composição de Munir Hossn, multi-instrumentista baiano radicado em Miami e que já trabalhou com nomes como Quincy Jones e Hermeto Pascoal. O cantor congo-brasileiro François Muleka participa com uma intervenção rítmica falada, como um rap — que não é comum no trabalho do músico e, por isso, soa ainda mais original. 

Em seguida, “Valha” (de Antonio Mabjeca, Wazimbo e Orquestra Marrabenta Star) tem duas participações: de Selma Uamusse, cantora moçambicana radicada em Portugal, cuja voz soa mais ao fundo das diversas camadas de vozes que se sobrepõem; e Mabjeca Tingana, é poeta e escritor de Maputo que escreve em changana, língua bantu falada no sul de Moçambique. A mbira conduz a melodia com extrema delicadeza. 

Otis Selimane cria para o álbum uma versão muito única de “Dentro Ali”, música do primeiro disco da cantora baiana Luedji Luna. Com o próprio Selimane assumindo os vocais, a faixa também tem participação da poeta moçambicana Énia Lipanga. Ela recita poema que fala sobre ancestralidade e funciona como extensão do tema que a canção original já carrega. 

Esses dias, Luedji contou em seu Instagram como nasceu a canção:

https://www.instagram.com/p/DXxLovrJxcg/

Ao trazer a composição de Luedji para a mbira, Selimane evidencia uma das apostas centrais do disco: mostrar que há uma conexão possível entre a canção afro-brasileira contemporânea e esse instrumento de origem africana, sem que essa conexão precise ser explicada, apenas cria uma nova linguagem ou diálogo possível, que funciona com fluidez para o sistema da canção popular. 

Espiritualidade e resistência 

“Yemaya” é uma música-saudação a Iemanjá que conta com a participação do cubano Sexto Sentido e da poeta Catalina Telerman, cuja declamação carrega doçura na voz e nas palavras. A letra é uma mescla entre composição de Selimane com o parceiro de outros projetos Ermi Panzo, incluindo versos de domínio público. 

Aqui, é possível entender a seguinte fala de Otis: 

Otis: [...] esse álbum, para além de sonoro, ele também é um álbum que provoca geograficamente, sabe?

Pérola: É interessante, porque você está me falando todo esse percurso que você imaginou, mas sem usar de expressões que talvez não sejam corretas, complexas, mas que não é a que está mais no vocabulário comum. Por exemplo, você não falou em momento algum do Atlântico Negro, que poderia resumir muito bem o que você falou, mas você está me contando de uma forma... Com mais uma sutileza do seu pensamento.Otis: Sim. É porque, na verdade, eu tenho algumas questões, acho que talvez por eu ser uma pessoa africana que reside no Brasil, que às vezes a gente teoriza, mas a gente não propõe experiências de fato dessas aproximações, sabe? 

Otis explicou que a escolha da dupla de Cuba também não foi por acaso: a ilha fez parte da rota dos povos escravizados, assim como o Brasil, e mantém viva a tradição da santeria. 

O tom de oração contido na aura de várias das canções vai permeando todo o álbum. Na mbira, a saudação ao orixá ganha um timbre que remete às raízes africanas do culto, sem recorrer aos instrumentos percussivos mais associados a esse repertório no contexto brasileiro. É uma das faixas que melhor demonstra a capacidade do instrumento de sustentar diferentes tradições (espirituais) sem se dobrar a nenhuma delas.

Já “Muilo” é uma composição de Tchaka Wa Ka Bantu, artista moçambicano com atuação na poesia, performance, curadoria e ativismo cultural. A faixa, registrada como domínio público, mantém o caráter meditativo que atravessa boa parte do disco e prepara o terreno para o que vem depois.

Em “Massikini”, Otis revive composição do grupo moçambicano Eyuphuro, que canta em línguas bantu como o macua e o changana. O título significa "pobre" ou "coitado" em changana, e a canção carrega o peso de quem fala sobre desigualdade e sofrimento a partir de dentro. A música tem participação de Radjha Ali, conterrâneo de Otis, cuja presença é mais uma peça na complexa tapeçaria sonora e histórica tecida no álbum.

“Ndarira” também é uma faixa de domínio público, que traz a participação de Lenna Bahule — que volta e meia também está pelo Brasil e se apresentando por São Paulo. Sem muitos elementos que disputem espaço, a mbira ocupa o centro e a voz de Bahule se coloca ao lado do instrumento, não sobre ele. É uma das faixas mais despojadas do disco.

“Muilo / Rere” é um retorno ao tema da faixa 7, desta vez com composição parcial de Selimane e participação de Tiganá Santana. O cantor baiano, que também aparece nos créditos de uma versão de “Muilo” registrada com Omar Sosa, empresta à faixa uma presença vocal que dialoga bem com a mbira. A releitura do mesmo tema em outro contexto funciona como um procedimento comum na música tradicional africana: a repetição que não repete, que encontra outro caminho no mesmo material.

Tiganá Santana é, assim como Selimane, um pesquisador e acadêmico: foi professor na Universidade Federal da Bahia e hoje é docente na Universidade de São Paulo, no Instituto de Estudos Brasileiros, IEB-USP. Além disso, sua presença reforça a narrativa bantu, dada a natureza de suas pesquisas, seja na academia, na música ou nas artes visuais.  

“E também a outra proposta do álbum, de outros contos bantus, é de trazer essa presença do texto, do poema, nos conduzir para um imagético territorial e narrativo que é pouco explorado aqui no Brasil. O Brasil, quando ele se refere à sua herança africana, ele muitas vezes está correlacionando a questões nagô e jêje. E o bantu  é igualmente importante, até numericamente relevante, porque são os primeiros povos que vêm para o Brasil”  — contou Otis em entrevista. 

Memória e transmissão de saberes 

“Kioso Nga Ndo Fua” é uma canção super densa. A composição é de Waldemar Bastos, músico angolano que viveu entre Angola, Portugal e Brasil e morreu em Lisboa em 2020. O título, em umbundo, significa aproximadamente "eu não sabia que ia morrer", e foi escrita tendo a guerra civil angolana como pano de fundo. Ermi Panzo, artista angolano radicado no Brasil com atuação em poesia, performance e ativismo cultural, participa com letra própria. 

“Tempo Velho” é uma das composições mais executadas do paulista Douglas Germano, cantada por Selimane com participação de Zé Manoel, que entra no momento do refrão fazendo o ouvinte se arrepiar de emoção. A faixa articula tempo e religiosidade, dois eixos que percorrem o disco inteiro. Na mbira, essa relação ganha uma camada a mais: o instrumento tem séculos de uso em práticas espirituais, e colocá-lo a serviço de uma canção que trata exatamente desses temas de maneira tão popular não parece acidental.

Já “O Mais Velho” é composição de Paulo César Pinheiro, gravada por Gloria Bonfim, que, sem nomear o orixá diretamente, se refere a Omolu -- sua sabedoria, seu domínio sobre a vida, a morte e a cura. A participação de Fabiana Cozza, do músico Sergio Pererê e de Alvim Cossa amplia a faixa sem sobrecarregá-la. Pinheiro é um dos compositores brasileiros com maior conhecimento do cancioneiro afro-brasileiro, e a escolha de uma de suas composições para esse momento do disco aponta para a curadoria cuidadosa que Otis Selimane realizou. O mesmo se pode dizer sobre os convidados. 

E, então, na penúltima faixa, Selimane chega a um dos principais encontros dos muitos que apresenta nesse disco para contar histórias bantu: com Mateus Aleluia, para cantar a clássica “Cordeiro de Nanã”, do grupo Os Tincoãs. Mateus Aleluia participa declamando versos improvisados sobre a relação entre passado, presente e futuro. Aleluia é uma figura que ultrapassa as categorias habituais da música brasileira, e o que ele traz aqui está menos no campo da performance e mais no da transmissão. Prefiro não detalhar o que ele diz: é uma das passagens do disco que merece ser ouvida sem spoilers. 

Por fim, como citei no início, a composição própria de Selimane “É tanto que peço a Deus” encerra a obra. Primeiro single gravado e lançado, foi a partir dela que o projeto se desenvolveu. É uma espécie de confissão, pedido e agradecimento ao mesmo tempo, e encerrar o disco com ela tem uma lógica clara: o músico que organizou quinze faixas de tradições africanas e afro-brasileiras distintas deixa, por último, a sua própria voz. Além de tudo, traz a surpresa de lembrar um ijexá. 

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A banda pernambucana Mombojó acabou de lançar seu oitavo disco, “Solar”. O álbum chega depois de mais de vinte anos do icônico “Nadadenovo”, que foi não só um marco no indie brasileiro, com inovações estéticas e no estilo de tocar e de compor, mas na estratégia de circulação que dialogou com o início da cultura digital no país.

Solar é uma síntese madura e muito fresca dessa trajetória. Ele é permeado por imagens sonhadoras e felizes que não tiram o pé do chão. O banho de mar, o sol, a possibilidade de chuva, a explicação poética sobre como é o clima de uma cidade como Recife, mas também a grana e a realidade cotidiana. 

É até difícil pensar em descrever a sonoridade de Solar sem cair em uma tautologia. Ele é apenas “muito Mombojó” — que não deixa de soar como a si mesma nem em um álbum como “Carne de Caju”, em que a banda relê canções de Alceu Valença.  

Ao mesmo tempo, Solar amplia esse repertório com colaborações surpreendentes, que expandem o som da banda: Letrux, Sofia Freire, Laetitia Sadier, Hervé Salters, Anthony Malka, Domenico Lancellotti e Lucas Afonso são alguns dos nomes presentes. 

https://www.youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_kmLLRXG6T5cX6y_nxZlBurDyxUsh0NX_0

Segundo, a regravação de "Canudo de Luz", que havia entrado no disco do Trio Eterno - projeto paralelo que funciona como extensão criativa de integrantes do Mombojó -  e que aqui é retrabalhada sob uma lógica mais próxima do dub, encerrando o álbum em uma atmosfera de experimentação coletiva.

Conversei brevemente com Felipe S sobre álbum no dia da audição em São Paulo.

Pérola: Oitavo disco do Mobojó, que sai daqui a poucas horas, dia 24 de abril. 

Felipe: Exatamente. Oitavo disco do Mombojó. 25 Anos de banda já.

Pérola: E esse disco vem depois de seis anos do último com músicas inéditas.

Felipe: Isso. Porque a gente lançou um disco de versões de Alceu Valença em 2024. A gente até gravou os dois discos juntos, na mesma sessão, em 2023. E aí lançamos primeiro o de Alceu e  foi bom porque deu um tempo da gente mudar os arranjos, testar várias possibilidades pra fazer esse disco autoral. Foi bem legal, deu muito tempo pra experimentar.

Pérola: E é isso que eu queria saber, Felipe. São 6 anos entre o Deságua e esse disco de agora, o Solar, que mudou na concepção de produção? Porque a gente acabou de ouvir o disco e eu vi que ele tem uma cara bem forte do Mombojó, ele é bem pra cima. Mas com vocês morando em cidades diferentes, como é que foi esse processo?

Felipe: A gente quis, diferente dos recentes álbuns que a gente fez, fazer diferente no sentido de fazer junto. A gente fez uns dois discos, meio que cada um gravando da sua casa. Por experiência mesmo, né? E sentimos vontade de voltar a fazer um disco assim, criar tudo junto, como a gente fazia no começo da banda. E isso faz uma diferença, porque a gente já toca um tempão junto, aí a gente tem esse momento também. A presença do outro alegra, diverte, você vai criar as coisas em outro clima.

E esse disco demorou muito por isso, a gente passava vários meses sem fazer nada. Era uma época boa de recarregar, assistir um filme, ler um livro, mudar as ideias. Isso foi bem legal, porque hoje em dia a gente tem um pouco de pressão de todo ano lançar uma coisa nova, muito por necessidade, né? Os músicos precisam fazer show em várias cidades. Às vezes, se você não tem um público muito grande, você tem que ficar inventando coisas novas, né? E dá essa pressão meio que interna, que eu não acho tão boa assim. Eu acho legal criar um caminho que você tenha tempo de experimentar. Acho que isso é bem positivo.

Pérola: E esse disco, ele é interessante porque traz várias participações, tem o Letrux, tem Sofia Freire, mas vocês acabaram de fazer também uma turnê com o Stereolab e também tem essa presença, né? Tem também o Lucas Afonso, que eu acabei de conhecer e achei muito boa a música. Queria que você falasse um pouco sobre a presença dessas pessoas nesse disco. Como que aconteceu pra vocês chegarem nesses encontros?

Felipe: A gente ia muito na chave do admirador, do fã, né? Lucas, assim como Letícia, do Stereolab, são pessoas que a gente admira muito, né? E sempre inventam um buraco ali, um espaço pra pessoa preencher. Com a Letícia foi muito assim, de ouvir as músicas com ela e aí comentar: “pô, aquele espaço ali, tu podia botar tua voz aí, né? Ia ficar muito bom e tal”. E era meio que puxando a pessoa que você admira pra perto.

O Lucas já tinha cantado com a gente em dois shows, ou três. E ficava meio nessa, porque ele gosta de recitar, ele escreve livros. E aí eu falei pra ele: “ó, é uma música que não é em 4x4, assim, é um tempo meio quebrado, e eu não quero que tu fique rimando, eu quero que tu bote melodia na voz”. Porque ele vem do samba, ele tem essa bagagem, ele toca cavaquinho. E aí foi bem legal, eu acho, de ouvir ele num contexto diferente do que ele geralmente faz. Eu achei bem positivo essa troca que a gente teve com ele, porque até então ele vinha nos nossos shows e recitava poesias. Agora a gente puxou ele pra um lugar totalmente diferente.

Pérola: O Mombojó tem essa energia que é muito pra cima, que é solar, e esse disco se chama “Solar”. E, de fato, é um disco assim. Tem a coisa da dança. O single que vocês lançaram tem ali um trocadilho também. Como foi chegar nesse momento em 2026 e trazer, depois de mais de 20 anos de banda, essa aura para esse disco.

Felipe: Coincidentemente, essas músicas foram meio criadas na época da pandemia. E eu acho que era uma coisa meio mantra de ficar mentalizando, escrevendo, cantando coisas que eu queria viver e não podia. Como um banho de mar, encontrar os amigos para uma festa, dançar e tal. Houve uma coincidência de um recorte de canções que todas elas têm esse mesmo sentimento. Havia uma vontade de coletivizar. E acho que acabaram sendo as músicas que ganharam mais força, talvez até por esse momento de reclusão, de você ficar ali, entrar muito dentro de si mesmo. Foi um momento que eu não fiz muitas músicas. Diminuí muito, mas me conectei muito com esse sentimento, de querer voltar a encontrar meus amigos e minhas amigas.

Pérola: Diminuiu, mas se você falou que é um recorte, é porque tem várias outras músicas aí sobrando?

Felipe: Tiveram muitas ideias que a gente não finalizou, principalmente as letras. E tudo que eu escrevia ia meio pra esse lado. E eu acho que quando a gente já tem muito tempo, é muito legal testar formações diferentes com as participações especiais. Na última música do disco, quem toca bateria é Domenico Lancelotti. E Hervé [Salters], do General Eletriks, toca teclado, Sofia canta. É quase uma banda dobrada. Tem outros três músicos, é outra atmosfera.

“What will you grow?”, disco do Mombojó com Laetitia Sanders de 2023

https://www.youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_kDoXl-FxFJscAiuH78yKwV76uv8EHYBbQ

Pérola: Termina super pra cima, mas a música é um dub, que é uma coisa que eu acho diferente na vibe do Mombojó, apesar das outras terem aquelas guitarras que são super envolventes.

Felipe: E, curiosamente, o Domenico gravou essa música sem o baixo, que é uma coisa que eu nunca tinha visto. Eu tava sozinho lá no Rio e a gente queria usar essa música no Mombojó, e ele incentivou: “vamos realizar com o que a gente tem aqui”. Aí foi eu e ele pro estúdio, e ele ficava dizendo: “vou fazer a mesma coisa, a música toda, tu faz aí as tuas partes, eu vou ficar aqui o tempo todo fazendo a mesma coisa”. Essa música, inicialmente, foi gravada num outro projeto, chama Tria Eterno, e ela tinha várias partes diferentes. A bateria mudava, eu achei legal isso da ideia dele, de dizer, vou fazer uma bateria bem delineada, de começo ao fim. Vou ficar aqui viajando e você faça as suas mudanças, mas eu vou manter isso aqui. É uma coisa que Vicente já não tem tanto isso. Eu achei legal ter uma formação bem diferente nessa canção. Achei legal testar isso. Acho que é uma coisa nova, que a gente nunca tinha feito, ter um outro baterista tocando.

Pérola: Obrigada, Felipe.

https://www.youtube.com/watch?v=PjDW5f1AL6

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Na última sexta-feira eu fui assistir ao show do disco novo da YMA no teatro do Sesc Pompeia. Eu estava curiosa porque cada show dela tem uma construção visual, imagética e performática, muito bem pensada e executada, o que faz a gente ter gosto de ir vê-la, junto de sua banda, no palco. 

Sentimental Palace nasce de uma ideia que dá materialidade ao subconsciente, tratado com um hotel cheio de corredores, labirintos, aposentos e hóspedes. É uma mistura de Kubrick com Wes Anderson. Na vida real da arte de YMA, ele se transformou em um castelo artesanal rosa com torres góticas. Ou seja, um misto de romantismo e terror. 

A faixa que abre o disco e o show é justamente a que dá nome ao álbum. YMA entrou no palco depois da banda, vindo do camarim com o castelo vestido na cabeça e sendo acompanhada por uma câmera que a transmitia em tempo real no telão. Essas foram as boas-vindas ao universo que mergulharíamos. 

Essa faixa tem um instrumental final que é uma espécie de happening, como aqueles que Os Mutantes faziam, de sons e barulhos que emulam um determinado ambiente. As caixas do teatro, o som soou como se tivesse espacializado, o que cria essa lógica de cinema. Essa é uma característica que perpassa algumas outras músicas desse disco.

YMA estava com uma veste vermelha fluida que daria visualidade e movimento para a primeira parte do espetáculo. Ela, em vez de backing vocals, dessa vez foi acompanhada por duas dançarinas, Aline Bonamin, que já fotografei bastante quando era fotógrafa, e Clarice Limão. Elas são fundamentais para o ritmo do show e para intensificar certas sensações que cada música provoca. 

Como eu não vou lembrar da ordem das músicas no show, vou me ater ao disco a partir de agora. A segunda faixa é fritar na areia!!, com dois pontos de exclamação, que é very nonsense, pero também mucho psicodélica, para exorcizar.

2001 foi o single que anunciou esse segundo álbum da YMA pro mundo. É uma composição-colagem com nomes de filmes que, no fim, formam um poema completo. Eu gosto que ela é uma baladinha, com violão. Parceria da YMA com um dos produtores do disco, Fernando Rischbieter, da Matraca Records, selo pelo qual o disco saiu. 

Lembra que eu falei que a construção do ambiente sonoro da faixa Sentimental Palace me lembrou alguns recursos que Os Mutantes usavam? Pois é, em La Femme, essa associação com a banda paulistana dos anos 1960 me vem novamente. É uma música romântica que YMA canta em francês - que minha cabeça associa imediatamente com Rita Lee cantando Le Premier Bonheur du Jour, da Françoise Hardy. No show, a letra foi projetada na tela com a estética de legenda de filme mudo. É a música da “jornada da mulher que toca o chão / Que vive no castelo da memória”.

A quinta e a sexta faixa são como pares opostos. Claramente, dois quartos diferentes dentro desse castelo. Porque dentro de mim, cantada mais baixinho e arrastada, é um sentimento que é internalizado através de uma sensação, de uma foda. Já Te quero fora é um retorno ao emo raiz, com guitarras mais choradas e a participação inclusive, de Lucas Fresno. No show, quem fez a vez nessa música foi Lou Alves, da Walfredo em busca da Simbiose. E ela é uma fuga, um desabafo, um grito que se expande. Abram as janelas, as portas, desocupem os corredores, que esse grito tem que ressoar e ganhar vazão no ar. 

Lembrar de Senhor F, dos Mutantes, do mesmo disco de Le premier bonheur du jour? Pois aqui temos a Passageira S. Se o Senhor F vivia a querer ser Senhor X, a Passageira S, vive um estranhamento de si mesma, ou melhor, um estranhamento da percepção que um outro tem dela. Eu gosto muito do trecho:

Se a gente concordasse em tudo

O escuro seria, amor, um absurdo, um tédio

Nas horas mais sentimentais

Será que somos mais reais?

Acho que é uma das minhas favoritas desse disco, essa e 2001 - que, olah que coincidência, é também o nome de uma música dos Mutantes com Tom Zé!

Já Lagosta, Ostra é uma coisa mais surrealista, com a excelente participação de Jup do Bairro - achei que combinou muito. Essa faixa me lembra mais o ambiente criado por YMA junto com Jadsa no EP Zelena - que tem um clipe com uma cena de jantar surreal, também. Esse clipe é apenas maravilhoso, mais uma prova do talento visual da artista. E me lembra também a versão de Tom Zé que elas fizeram, Defeito 5: O Olho do Lago. 

O disco tem ainda mais uma participação, que é de Sophia Chablau em Rita. RITA! Se Sophia tem algumas músicas meio Mutantes, essa daqui não vai fugir da referência. Mas é uma canção um pouco mais melancólica. Achei um encontro um tanto inusitado, YMA e Sophia, mas gostei bastante. 

Por fim, o disco tem mais duas faixas: ruído branco e a derradeira o anjo cometa. 

Essa última é, definitivamente, a minha favorita do álbum - contrariando tudo que eu mesma disse antes. É uma baladinha também, com violão destacado, versos em que YMA se alonga mais nos vocais e destaque para solinhos de sax, que acabaram se tornando marca registrada de suas composições - como em White Peacock (que, inclusive, ficou fora do show!).

Esse lance das muitas relações que apontei entre esse disco da YMA e a música dos Mutantes não é algo que aparece apenas na cantora. Há uma relação forte da produção da música brasileira independente desde 2015, mais ou menos, com uma certa vertente da música brasileira das décadas de 1960 e 1970 - especialmente em relação ao tropicalismo musical. Mas isso é papo para outro texto. 

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Em meio a tantos shows internacionais e turnês saudosistas, o anúncio da passagem da inglesa Greentea Peng soou como Jorge Ben no shuffle de um dia chuvoso. A mistura original de soul, dub e trip hop embalados pela voz pra lá de sexy da cantora — que atende por Aria Wells — torna a banda uma das minhas favoritas da atualidade. Calma, balanço, suingue, sensualidade e letras tanto espirituais e espirituosas quanto políticas arrematam o combo.

A presença de palco da cantora e de sua banda não entregou menos na passagem pela Áudio quarta-feira. Uma pena só a maior cidade da América Latina não ter uma casa de show com som, estrutura e acústica decentes o suficiente pra gente ter a certeza de que vai se esbaldar a cada vez que passa batom vermelho para ir prestigiar os artistas. Mas não é sobre isso que vim falar.

Vim contar apenas que, com um vestido justo e curtíssimo marrom, que parecia de couro ou algo que o valha, cabelo vermelhíssimo e muito carisma, o show promovido pelo Queremos valeu cada minuto. Achei que era coisa dos anos 1990 o artista ganhar presente no palco, mas pude presenciar que não. A banda contava com um guitarrista que teve momentos de muito destaque, sozinho ou interagindo com a cantora; um baixista não menos competente; bateria; percussão; e teclado.

A banda tocou as principais músicas de seus excelentes três álbuns: Tell Dem It’s Sunny, do ano passado; Greenzone 108, de 2022; e Man Made, de 2021. Mas, pra mim, o momento de destaque foi Revolution, a declaração mais explícita do lado político de Wells, em que ela não se abstém de pedir liberdade por todas as nações que sabemos sufocadas, como Irã, Palestina e Sudão. O final, claro, não podia ser outro: Hu Man.

Em um determinado momento, a voz dela lembrou Amy Winehouse — e não é loucura da minha cabeça, porque a cantora Bebé estava comigo e achou a mesma coisa. É um timbre de enlouquecer qualquer um.

Por fim, o Queremos segue a curadoria de shows que mais me agrada e soma mais um show pra minha lista de favoritos. E vamos contando: Greentea Peng, Sister Nancy (!!), Adi Oasis, Jeff Mills, Explosions in the Sky, Tame Impala, Yazmin Lacey, Kamasi Washington… perdi as contas.

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O abre-alas é “Terra do sol”, faixa na qual o artista piauiense se apresenta: “Sou Wândalo, prazer em te conhecer/ nasci num canto que o calor faz derreter [...] sou a mistura do açaí com o baião”. Mas, em seguida, ele já desconstrói qualquer possível estereótipo que possam querer colar nele: “tô no meio dos camelô / cara de carranca / mas eu piloto robô”. 

A faixa mistura piseiro e jersey. Isso é interessante porque o jersey é um subgênero americano da música eletrônica que veio à tona no final dos anos 90 e começo dos anos 2000, mas que voltou a viralizar agora, nos 2020,por causa do Tik Tok e como esse ritmo combina com a dinâmica das danças para o aplicativo. Inclusive, as batidas que são intercaladas na música do Wândalo com uma pegada mais de piseiro, lembram a maior referência desse momento que é Vibe, da Cookiee Kawaii. 

https://www.youtube.com/watch?v=ZO3h7xciaqI

“Foguete”, a segunda faixa, me ganhou definitivamente: é um forró homoerótico-intergalático recheado de sacanagem, como todo o álbum. Eu não sei nem se eu devo entregar mais do que isso – mas, acho ela bem potencial chicletinho, além de muito divertida. E o que essa música me despertou foi menos um instinto analítico do que imaginativo, porque fiquei logo pensando se fosse uma interação interespécie, entre um humano e um ser indefinido, como seria o corpo desse ser e tudo que se desenrola etc. Em tempos de GPT, imaginação criativa é tudo. 

A terceira faixa leva o nome do jogo de quebra-cabeça digital mais famoso de todos os tempos: “Tetris”. E aqui, né, meus amigos, não precisa nem de muito café ou cachaça para imaginar as mil e uma possibilidades de duplo sentido (que, inclusive, é um recurso que desde que eu abri esse blog, há 11 anos atrás, advogo, analiso, monto playlist e discoteco). Tem os versos “é que no meio dessas pernas tem um fliperama” e o refrão é simplesmente “eu tento, tento, tento me encaixar”, enquanto a backing vocal completa: “no seu jogo”.  Aqui é a voz de Alana Fox, cantora mineira de Contagem, que entra.

Tenho que abrir espaço também para comentar da produção desse disco, com batidas, camadas e texturas que parecem 100% harmonizadas, sem cair no óbvio e, ao mesmo tempo, viciante. A produção é assinada por Gorfo de Panda. 

Em “Gola Polo” também tem mais uma participação, do produtor e cantor BM Ally, do Black M studio. Mais uma vez, a narrativa criada é muito boa, porque ela inverte muito do que é narrado nas músicas “intergênero” atuais – ou seja, aquelas que misturam sertanejo, forró, piseiro com roupagens eletrônicas (e esse é um nome que adotei agora, porque não sei como definir) e que são construídas com base numa historinha de 2 minutos, com personagens, começo, ápice e fim. Será que conto o que é ou deixo vocês ouvirem?

Vou contar: a pessoa usa gola polo pra agradar a outra, sai com as primas loiras odonto, topa ir até o vila mix, mesmo sabendo que aquilo ali (que é, justamente quem consome esse tipo de música que descrevi) não é pra ele. Então, essa é uma versão para quem até curte esse gênero, mas não o ambiente por onde ele circula – porque pode existir um outro (e aí aqui fica mais ou menos óbvio porque eu sei, por exemplo, que o Wândalo se apresenta na Funilaria, no Bar da Bete, no Fervo etc.). É tipo a cara de quem vai para os rolês do Rom Santana. 

“Já passou” começa com uma chamadinha que eu acho que até podia ter mais no disco “Esse é o Wândalo”. E traz mais uma participação: da artista drag e cantora Nina Omilana. Ela traduz um pé na bunda para o universo próprio do cantor, sem papas na língua, o que eu, particularmente, acho maravilhoso. E, além da batida, tem uma envolvência melódica, que cria diálogo entre Wândalo e Nina. A frase final é ouro – me lembra alguns amigos. 

“Assume ou some” é mais romântica e vai pro lado do brega, com participação de Jefferson Carvalho. E também cria diálogo, mas dessa vez com clássicos da música brega. A primeira citação é a de “Que tontos, que loucos”, versão em português que fez muito sucesso tanto na gravação do Aviões do Forró, quanto na voz de Kelvis Duran (eles gravaram essa música no mesmo ano, 2005, com nomes diferentes). Depois do fatídico verso “Eu prefiro come e some”, vêm mais duas citações a clássicos: primeiro “Coração”, depois “Risca Faca”, ambas sucesso com Aviões. 

“Kompiseiro” já me chama para um passinho contemporâneo. Sobre essa eu vou economizar o verbo, deixa ela pra dançar. 

“Olhar de opala” tem participação de Devi Cruz. A música é mais romântica e esse clima se aprofunda com a voz mais aguda da participação do cantor de Petrolina, em contraste com a voz grave de Wândalo. Eu achei que olhar de opala tinha a ver, sei lá, com olhar de bêbado, né? Porque quando a gente diz que a pessoa é um opala é porque bebe pra carai, mas tem a ver com a pedra opala, que reflete várias cores e traz amor. 

Vai chegando o final do disco e eu vou ficando sem fôlego para grandes análises, mas “Queda Livre” traz de volta BM Ally e vai criando um clima para a música mais triste do disco - se é que isso é possível, mas repara só, se não tem a ver com a inversão de climas e ambientes que eu mencionei que o Wândalo vai conseguindo criar ao longo da narrativa das músicas que se concretiza, especialmente, nas próximas três faixas, que são as últimas.

“Paredão triste”: quem é, pelamor, que associa paredão à tristeza? Mas ele fica triste no paredão, coloca um solinho e é uma música, pasmem, que dá para dançar juntinho, mesmo falando que o “grave tá batendo”. Esse solinho é tipo o que, pra mim, é o mais emblemático desses anos, que é o de “Tá Rocheda”, do Barões da Pisadinha. 

E aí, outro “contrassenso” é “Forrozin do fim do mundo”. Aqui ele fala do lixo, do meteoro, do aquecimento global, madmax, de tudo que a gente anda pensando, politicamente. E me lembrou de uma fala incrível que ouvi esses dias do professor e cientista político Marcos Nobre sobre como a esquerda vende a imagem do fim do mundo, mas está com dificuldade de se mobilizar com essa agenda. Enquanto a direita age por esse tal fim do mundo, para muito além do negacionismo puro: privatiza mesmo, consome mesmo, explora mesmo. É a lógica do neoextrativismo pairando entre os dois campos. Entende? Quem diria que um forró me faria fazer essas associações. 

E aí, para fechar, mais uma reviravolta: em vez de pensar “não quero que isso aqui acabe nunca”, vem a faixa “Amigo do fim S.A” - eu sei que você é inimigo do fim, do tima da cachaça até o amanhecer e que fica até quando a festa já está na xepa. Mas a sabedoria é: “o que é bom acaba”. 

“Já dizia Teletubbies / tá na hora de dar tchau”. 

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Na próxima, provavelmente volto com um “faixa a faixa”. Ainda estou escrevendo sobre discos do ano passado que gostei muito e ficaram sem texto. E também, claro, sobre os muitos — e bons — que estão chegando este ano. E olha que ainda estamos fechando o primeiro trimestre.

Exposição HIP-HOP

Já falei no Instagram e repito aqui: ainda dá tempo de ir visitar a exposição HIP-HOP 80’sp – São Paulo na Onda do Break, que fica em cartaz só até amanhã (29/03), no Sesc 24 de Maio.  

Vencedora APCA na categoria Projeto Especial - Música Popular, a exposição é grande sem ser cansativa, e consegue equilibrar bem informação e experiência. O percurso começa pelo hip-hop americano e vai costurando a chegada da cultura em São Paulo, mostrando como essa absorção foi tão própria quanto essencial para entender o Brasil moderno.

O projeto expográfico também chama atenção. A boombox gigante, que poderia facilmente ter ficado feia ou cafona, é muito bonita: fecha o percurso com impacto. Mesmo cheia, a mostra permite circular com calma e observar os detalhes dos manequins, figurinos icônicos (originais e réplicas) e peças customizadas de acervos pessoais.

O manequim do Tim Maia ao lado do James Brown me arrancou uma risada sincera e feliz; matei a curiosidade de ver os desenhos do Speto bem antes dele consolidar a estética da xilogravura - e não tinha absolutamente nada a ver; amo ver flyers originais de shows e baladas; e fiquei impressionada com quanta coisa do acervo pessoal d’Os Gêmeos tem por lá. 

Como dizem os jovens, aulas.

Choque Cultural

No último sábado, andando à toa, descobri que a Choque Cultural está há alguns anos instalada na Alameda Sarutaiá — curiosamente, vizinha de um endereço onde morei por muito tempo.

No dia, era a abertura da instalação de Alexandre Vianna.

A proposta desloca o eixo da experiência. Em uma galeria marcada pela força visual — cores, formas, grafismos —, o trabalho de Vianna opera como espaço-tempo de suspensão que tem o som como a matéria principal.

Dentro de um “cubo” acústico revestido por tecido, frequências altas ocupam o espaço e atravessam o corpo. O que o texto curatorial chama de “escultura vibratória” faz sentido na prática: o som é mais do que simples escuta, se manifesta como presença física.

No centro, uma projeção abstrata, filtrada por um tecido translúcido, funciona como um campo complementar à experiência sonora. Não se trata de “ver algo”, mas de entrar em um estado, que tem a ver com a proposta do trabalho com altas frequências. A duração, de cerca de três minutos, parece curta (ou longa demais para a era de retenção de 3 segundos), mas é suficiente para que a percepção se reorganize.

Há também um subtexto interessante. Em um contexto em que a experiência artística tende a ser mediada pela imagem — sobretudo na Choque, cheia de cores —, uma obra que exige presença, tempo e corpo cria um pequeno atrito (ou ritual).

Como falo pouco, acabei conversando com Baixo Ribeiro para entender como a Choque segue operando como um ponto de articulação entre produção, circulação e formação.

Nesse sentido, a ideia do curador de lançar um Clube de gravura aparece como um desdobramento natural. A ideia é criar uma comunidade em torno da produção gráfica de nomes de destaque: gravuras, zines, cartazes, impressos. Cria uma lógica de troca contínua entre artistas e público.

https://choquecultural.com.br/clube-da-gravura-choque/

Indo lá, você pode ver diversas obras de Jaca, Mariana Martins, Narcelio Grud etc. 

Toró - um filme-concerto

No próximo dia 8 de abril chega às plataformas o novo disco e filme-concerto do pianista recifense Vitor Araújo. A obra nasce de uma apresentação no Holland Festival e atende pelo nome de Toró.

É o registro de um encontro pouco trivial: Vitor, sua banda e a Metropole Orkest, sob regência de Jacomo Bairos. Mas que doidera é essa?

Em 2024, o músico apresentou esse repertório inédito no Bimhuis, com ingressos esgotados e transmissão pela TV holandesa. No palco, uma formação híbrida que ajuda a entender o tamanho da ambição: orquestra, banda e um time de músicos brasileiros que transita entre o acústico e o eletrônico, da percussão aos synths.

Agora, Toró vira álbum, pelo selo Risco, e filme, que será disponibilizado no YouTube. O resultado é uma costura que vai do clássico ao popular, do experimental ao pop mundial do Radiohead - influência que todos sabemos acompanha há muito o pianista. 

E tem história boa sobre as condições sob as quais Vitor se apresentou, com uma infecção profunda em um dos dedos da mão direita. Eu escutei essa história em detalhes, se quiserem saber, eu reproduzo quando falar sobre o disco em si. 

Há boatos de que o show completo desembarca em São Paulo no segundo semestre.

Curte aí o single que já está disponível:

https://www.youtube.com/watch?v=0npuAy-rOGg&list=OLAK5uy_nqConU4cQiJDqcaUMG4Ylsykzlp5pQwAA

Rádio Gatilho

A cantora e compositora Bebé está finalizando um disco novo, que vai se chamar Dissolução, e que ela vai apresentar agora em abril em show no CCSP. Fui assisti-la participar do evento Radio Gatilho, do Dj Nyack, na Casa Rockambole. 

O rolê é muito legal, porque o DJ reúne um time de músicos talentosíssimos, público diverso e bota pra jogo um repertório que foge ao que todo mundo está falando o tempo todo nas redes sociais. Sabe? 

Thiago Jamelão, Hanifah, Jamah… procurem saber nas redes, que vocês vão ter uma dimensão. Mas não deixe de vê-los ao vivo, porque é um deleite. 

Um poema de Waldo Motta

Essa semana também assisti uma aula de Bruno Cosentino e Eliane Robert Moraes sobre o poeta capixaba Waldo Motta. Conhece? 

PEGAÇÃO SAGRADA

Põe tua mão aqui debaixo
de minha coxa, onde Abrahão
pediu que um servo o tocasse,
em nome do Deus dos deuses,
Senhor dos Céus e da Terra,
onde o anjo do Senhor tocou
o relutante Jacob, que assim
se transformou em Israel,
que lembrou da sagrada aliança
em seu leito de morte, onde pediu
ao mais amado filho que o tocasse
no mesmo lugar sagrado e consagrado.

O estado da crítica

Parece que a crítica, como ofício, voltou a ser um assunto e agora está sendo “valorizada”, né? Se eu for discorrer, não publico essa newsletter hoje e corre o risco de algum desavisado perder a exposição do hip hop, então fica na promessa: vou discorrer sobre o assunto. 

Prometo, também, não atirar pra matar, mas assumir o “lugar de fala” de quem já atravessou algumas fases desse campo e pode, com alguma distância, narrar certas agruras. Não chegam a ser memórias póstumas, ainda, mas talvez já dê para esboçar um pequeno inventário.

Lançamento da semana

Cansei, mas tem muito disco bom aí. Comecem pelo Cidadão Instigado, que volta com um inédito recheado de convidados 11 anos depois do último, “Fortaleza”.

https://open.spotify.com/intl-pt/album/7gBepJMFwHakxLMjXPzHwb?si=ztgpQxqyQ3aVlyW_iLzX7g

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Vai Bater Mais, primeiro álbum autoral de Tícia, reafirma a força da cantora e compositora da Cidade Baixa, em Salvador. Após abrir caminhos com o EP Sagrada e Profana (2023), que teve o single Salcity como prévia de sucesso, a artista se consolida ao combinar música urbana, influências afro-diaspóricas e o tempero característico da Bahia contemporânea.

Com nove faixas distribuídas em pouco mais de 21 minutos, o disco explora ritmos como pagodão, dancehall e samba-reggae, sempre permeados pela suavidade da voz de Tícia, que contrasta com a contundência de suas letras.

O álbum abre com Chora agora, ri depois, faixa que já estabelece a identidade da cantora: malemolência, visão e esperteza, atributos necessários para navegar pelo cotidiano urbano de Salvador. A letra, que inclui versos como “40º entre a praia e o paredão / a batida é minha munição”, evidencia o diálogo entre cidade, ritmo e experiência pessoal. 

Em 2020, fizemos, Poro Aberto + Subterrâneo Records, essa live pra Sim SP, com Tícia, Emijota e Trap Funk & Alívio

Já a produção, não só dessa faixa, mas em todo o disco, é marcada por sobreposição de camadas, quebras de andamento e fusão de cores e timbres. Incorpora elementos de latinidade e poesia sem perder a unidade, mantendo um fluxo dançante e envolvente. 

Em Arcademoomba, a narrativa da “mulher-cria” continua; enquanto Venha, bebê, com participação de Murilo Chester, evoca a atmosfera da Cidade Baixa: Praia da Gamboa, Olodum nas caixas e o sol a pino da Bahia de Todos os Santos.

Já Badman aproxima o som da Jamaica e combina batidas de samba-reggae, overdubs, ecos e o clássico “pow pow” do dancehall. A letra reflete a autonomia da protagonista: “o mal não se cria, confio em quem me guia, nunca contei com a sorte no corre, no dia a dia”, um trecho que sintetiza a postura de quem constrói o próprio caminho sem padrinhos, atravessando as dificuldades com determinação e sem chororô. 

Uma das qualidades de Vai Bater Mais é a variedade rítmica e as tonalidades diversas que vão surgindo. Preciso falar pra você, traz um clima mais romântico e delicado que ressalta a voz de Tícia e sua melodicidade. Reggaeolodum, a começar pelo nome, traz mais peso na batida e, assim como a maioria das letras, explora a sensualidade do flerte em diferentes níveis - ou estágios. Tem que ter axé destaca-se pela introdução que remete aos metais e reafirma a relação da artista com as tradições locais e a celebração da cidade.

A faixa-título, Vai Bater Mais, funciona quase como um manifesto do álbum: identidade, cidade, corpo e batida se entrelaçam em uma narrativa coerente e potente. O disco se encerra com Babylon by Tícia, que é um dos pontos altos do trabalho e consolida o impacto da cantora em um universo sonoro próprio.

Apesar da diversidade de ritmos e influências, o álbum mantém uma unidade forte. Vai Bater Mais não apenas estabelece a artista no cenário da música pop contemporânea, como também evidencia sua capacidade de traduzir Salvador em som e poesia.

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Instaladas no salão de entrada da casa da rua Fradique Coutinho, as pinturas revelam três dimensões que se entrelaçam: a água como eixo simbólico, a alimentação como prática cultural e a memória familiar como transmissão de saberes. Esses elementos não aparecem compartimentados, mas se entrecruzam na composição das telas e estruturam o conjunto.

Formado pela Universidade Federal de Goiás e também educador, Sales desenvolve uma produção atravessada pela ideia do “peixe fora d’água”. A imagem surge como síntese de deslocamento, pertencimento e subsistência, reaparecendo ao longo da exposição sob diferentes configurações.

À medida que percorremos essas águas, ora caudalosas, ora ausentes, o olhar capta mudanças temporais sugeridas pelas cores e pelos rastros que sua passagem deixa. Na paleta ocre que se adensa, um peixe surge fisgado por um anzol atado a um poste. Em outra composição, sua cabeça, base alimentar para inúmeras famílias, aparece isolada. A figura do animal retorna ao longo da exposição sempre transformada.

Em outras pinturas, o azul se intensifica. Nenhuma das cores desse universo criado por Sales aparece de maneira chapada ou abrupta, como se a sazonalidade das águas ou os efeitos da ação humana que impactam sua densidade fossem absorvidos mesmo em seu processo temporal. 

Assim, as tonalidades parecem construir continuidades entre as telas, como se uma obra prolongasse a anterior. O título da mostra ganha força nesse encadeamento: o percurso se dá pelo acompanhamento dessas variações. Nesse cenário, outro conjunto de objetos adquire centralidade. Jarros de barro de diferentes tamanhos e formatos surgem acompanhados por ferramentas que pertencem ao mesmo universo doméstico.

O barro, matéria que dá forma a artefatos como o filtro de água, tão presente na cultura brasileira, aparece deslocado de seu uso habitual. Ao redor desses recipientes, brotam plantas cultivadas ou decorrentes de um microecossistema úmido. A paisagem que se revela é simultaneamente natural e domesticada. Ramos de ervas, que servem de tempero e também possuem propriedades de cura, reforçam essa sobreposição de funções. Há uma espécie de rede de significação que articula esses elementos nas composições e conecta prática cotidiana, subsistência e ritual.

Antes de O rio no qual se nada pelos olhos, o artista foi residente do Sertão Negro Ateliê e Escola de Artes, núcleo com o qual integrou a 36ª Bienal de São Paulo, em 2025, na instalação Sertões. Em 2025, realizou ainda a residência “Residencies Latitudes”, na Hangar Cia, em Lisboa. A presença da sardinha nas duas últimas pinturas sinaliza esse deslocamento geográfico e amplia o repertório alimentar que atravessa sua pesquisa e produção. Atualmente, o artista desenvolve residência no espaço Domo Damo, em São Paulo. 

Jarros, filtros, peixes, ervas e utensílios não funcionam como repertório ilustrativo. Eles ativam práticas alimentares, rituais cotidianos e saberes vinculados a religiões de matriz africana presentes na trajetória do artista. A inauguração de uma casa, o preparo de um alimento, o manejo da água e o uso de plantas para fins espirituais integram um sistema de conhecimento transmitido no âmbito familiar. De um lado, a família de Genor Sales tem origem no Maranhão; de outro, em Exu, Pernambuco. Esses deslocamentos convergem para Goiânia, cidade planejada e historicamente recente, situada em um território que concentra camadas complexas de formação social e cultural.

O cerrado e o interior do Brasil ainda recebem projeção limitada no circuito artístico nacional, embora movimentos recentes da arte contemporânea venham tensionando essa centralização. Ao inserir referências desse território em uma galeria paulistana, a exposição amplia o campo de visibilidade dessas narrativas, sem convertê-las em exotização.

Embora dialogue com debates contemporâneos sobre território e memória — presentes também na produção de artistas como Dalton Paula, cofundador do Sertão Negro —, o trabalho de Genor Sales constrói um percurso autônomo.

No conjunto, O rio no qual se nada pelos olhos consolida uma pesquisa em que forma e tema operam de maneira integrada. As 19 aquarelas estruturam um sistema visual no qual água, alimentação e memória familiar se sustentam mutuamente. A exposição reafirma a coerência da trajetória do artista e amplia o alcance de sua investigação no contexto da arte contemporânea brasileira.

“O rio no qual se nada pelos olhos”
Galeria Almeida & Dale
4/01 – 28/03/26
Curadoria: Divino Sobral
Fradique Coutinho, 1430

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A volta se dá no contexto da comemoração dos 20 anos do grupo, que vai realizar uma turnê de um ano. Essa turnê já começou um babado, porque o show gratuito que seria feito na Praça da Cruz Caída, no Pelourinho, precisou ser cancelado. A expectativa de público era tão grande que não tinha como manter a segurança de todos. O show foi transferido e aconteceu no Parque da Cidade. 

Mas se você por acaso não sabe do que estou falando, pare tudo e venha entender – do começo. 

O Fantasmão é uma banda de pagode, hoje chamado de pagodão baiano, que surgiu em Salvador no começo dos anos 2000. Encabeçada por Edcity, vulgo Edcarlos da Conceição Santos, menino bom que nasceu na cidade de Pojuca, mas cresceu em Catu, como ele sempre lembra nas entrevistas. Antes de criar o Fantasmão, Eddye passou por vários outros grupos e foi para Salvador liderar os vocais do Parangolé, que existe desde 1998 e teve vários frontmen, incluindo, posteriormente, Leo Santana, o GG da Bahia, e Tonny Sales. 

Com o Fantasmão, Ed criou uma mistura musical até então única no cenário do pagode baiano ao incorporar o rap e o rock junto à percussão marcante e às levadas de samba de roda, explorando temáticas sociais como a desigualdade e o racismo. O visual da banda também se destacava. Em primeiro lugar, por causa dos rostos pintados de branco – o de Ed sempre apenas uma metade –, em alusão ao nome da banda, obviamente, com a qual ele levou o bordão “Fantasmas existem”. Depois, por causa da incorporação das mortalhas ao figurino, que são os chamados “antigos abadás”. 

Os carnavais de Salvador passaram a ter outra batida e outra graça com os hits que o Fantasmão produziu. Morando na cidade à época, era impossível passar incólume pelo “groove arrastado” da banda, pelo peso de seu som e pelas porradas de suas letras. 

Isso já fica explícito na abertura no disco Pluralidade. Além de um riff destacado de guitarra, segue a fala “Música verdadeiras nunca são passageiras”, e, então, os versos “Com um conceito renovado andará nossa nação / Sou filho de preto, quero respeito, quem mora no gueto não é ladrão”. 

O disco praticamente inteiro é feito de hits, traz “Eu sou negão”, que virou uma espécie de hino da banda, com um daqueles solos de guitarra acompanhado de percussão já do início, o clássico grito que dispara que a arma é o microfone – e, arriscaria, a alegria, a ginga e a swingueira que provoca no corpo e cura todo o resto.

Eu sou da favela, eu vim do gueto
Batendo na panela
Derrubando preconceito.
Pra você que pensa que negro correndo é ladrão
Tem branco de gravata roubando de montão.Mais pra você eu mando um sambaQue não tem classe não tem corEle vai bater em seu peito e despertar o amor.

Eu sou negão, eu sou do guetoE vc quem é?Sou fantasmão, eu sou do guetoE vc quem é?

Várias das faixas têm o mesmo sentido da temática, “Sou da ralé”, “Black Power”, “Do Gueto” e, claro, a emblemática “Gaiola”: Quem vacila na quebrada / Vai cair no gaiolão / Vai cair na gaiola”. 

Mas o disco também traz outras mais celebrativas. E como não lembrar do destaque que “Viola” ganhou ao ser não apenas notada por Caetano Veloso, mas entrar como pot-pourri em seu show de turnê do disco Zii e Ziie. Na ocasião de um Brasil que começava a ficar, como dizem, “polarizado” (entre muitas aspas) e o cantor levava a cabo o seu projeto de trilogia que começou com o Cê e terminou com A bossa nova é foda, mas que também deu ao ar da graça na internet o site Ordem e Progresso. Na ocasião do show, Caetano emendava “Kuduro”, “Viola” e “A voz do morto”. A trinca é motivo para outro texto – ou já foi, para vários que pulularam por aí.

Pluralidade tem aquilo que hoje já não existe, um álbum com 19 músicas, todas atestadamente boas, e 1 hora e 11 minutos de duração. 

Em seguida, veio o disco Revolucionário, de 2008, com uma vinheta de abertura fantasmagoricamente pagodesca e, logo, outro clássico da banda. Para quem estava lá e viveu essa época, é impossível não saber a continuação da chamada “Isso não é rap, isso não é samba, essa mania vem de Luanda”: Kuduro, kuduro, kuduro, kuduro.

Poderíamos ficar destrinchando aqui os hits do Fantasmão em sua era Edcity, que durou até 2009. Depois, a banda ainda teve mais três vocalistas: Tierry (ele mesmo, o da “Rita”), Teddy e Sandro. Assim como a minha vida, porque eu fui embora de Salvador, a banda não continuou no auge de seu brilho. E é por isso que o retorno de Edcity, depois de 15 anos, é um marco. 

Esse ano o Fantasmão seguiu uma agenda de show intensa, mas a apresentação oficial no circuito de carnaval em Salvador foi cancelada porque o trio oferecido à banda não era compatível com sua necessidade técnica. O que é um absurdo sem precedentes e um desrespeito do poder público local com a banda, com os foliões e com sua própria cultura. Aliás, não faltaram críticas ao prefeito. 

Por fim, o Fantasmão comandou o final da festa na quarta-feira, no Arrastão, um evento que eu considero para os muito fortes – porque eu mesma, na quarta, sempre tava no posto pedindo antibiótico pra gripe / infecção de garganta. 

Eles gravaram a Macaco Gordo Sessions publicada há 2 meses, o chamado Tiny Desk Baiano, com as clássicas e o público afiadíssimo. O desfile do Arrastão também foi transmitido pela Macaco Gordo, a quem Ed tem agradecido muito e demonstrado vontade de gravar uma nova sessão com as músicas inéditas. E aqui ei-las, no EP Sacudindo Tudo, deste ano de 2026. 

Devoções à parte ao groove arrastado e ao talento de Edcity, devo dizer que o moço, hoje com 43 anos, é filiado ao PP e concorreu a uma vaga de deputado federal em 2022, tendo recebido votos insuficientes para a eleição. 

Para entender mesmo a relevância do retorno de Edcity ao Fantasmão, eu recomendo muito a entrevista de Fernanda Santana para o Correio com o músico, que explica muito melhor a ecatombe que é essa sonoridade e sua história. Não à toa, o título da matéria dela é “Retorno da banda Fantasmão vai balançar reinado do "senta, senta''. 

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Esse ano, realiza 3 eventos de Carnaval no Rio de Janeiro, nos dias 14, 17 (no barco) e 21 de fevereiro. 

Música eletrônica combina com Carnaval?

Com certeza. E a Selvagem é a prova viva. Inclusive porque pesquisa e versatilidade musical são a marca de sua trajetória. A festa, ao longo dos anos, expandiu repertórios, cruzou gêneros e aproximou universos sem perder coerência. Da pista à Selva Discos, desenvolveu uma assinatura que transita com naturalidade entre referências brasileiras, house, disco, dub e outras vertentes, sempre com intenção e contexto.Se hoje a dobradinha Carnaval-Música Eletrônica já soa menos improvável, muito disso passa pela própria existência da Selvagem. Para quem está chegando agora à folia, a presença de DJs ainda pode causar estranhamento — especialmente depois do desastroso “desfile” de Calvin Harris no bloco Skol, em São Paulo, no último 8 de fevereiro. 

A reação é compreensível: entre os sinônimos mais imediatos de Carnaval estão gêneros como frevo e axé, além de formações musicais como as charangas, as orquestras e os trios elétricos.

Mas essa conversa não começou ontem. Há décadas a música eletrônica ocupa, com legitimidade, circuitos oficiais e alternativos da festa pelo país. É nesse contexto que a Selvagem se firmou como parte orgânica da folia carioca sem abrir mão das idiossincrasias locais, nem diluir sua identidade musical.

“Existe a Selvagem, de certa forma, e existe o Carnaval Selvagem. A gente conseguiu colocar as festas de música eletrônica no calendário oficial da cidade. E, com muito orgulho, digo que é a única festa que mistura, de fato, música brasileira carnavalesca e música eletrônica”, diz Augusto Olivani, o Trepanado, DJ residente e criador da festa.

A mistura, aliás, é ponto central da proposta. “E não é só música eletrônica”, completa Daniel Ramos, diretor criativo. “Você pode começar ouvindo ‘Gypsy Woman’ e terminar no dub, tranquilamente. E isso não soa estranho”.

Carnaval com música eletrônica continua sendo Carnaval. O que a Selvagem faz é ampliar repertórios, tensionar fronteiras e organizar comunidade. Em 2026, com três eventos confirmados no Rio de Janeiro, a festa ajuda a desenhar os contornos da folia. 

Para além do calendário momesco, a Selvagem segue provomendo experiências musicais e culturais em ambas as cidades e promete ainda novidades e renovações para o ano que começa depois do Carnaval.

Pérola: Hoje eu tô aqui com o Augusto Olivani, Trepanado, pra gente falar sobre um novo momento da Selvagem, depois de 14 anos de festa.

Trepanado: É curioso até a gente estar perto da Praça Dom José Gaspar, que foi onde a Selvagem começou, lá atrás, em 2011. E foi bem no movimento de reconquistar um pouco o centro de São Paulo, que na época passava por um momento de renovação e a Selvagem foi um dos primeiros núcleos [de festas]. Começou de forma bem orgânica, bem natural, era uma coisa que acontecia a cada mês aqui na praça e que naturalmente foi juntando pessoas que ou tinham parado de sair e estavam voltando, porque tinham mudado o estilo de vida… e aos poucos a gente conseguiu também imprimir isso da gente tocar coisas que não se ouviam na noite naquela época. 

Eu e o Milos [Kaiser], meu parceiro na época, a gente vinha num movimento de tocar coisas mais praianas, assim, música brasileira. Sem nunca, nesse período todo, abrir mão dessa característica anárquica, trazer um pouco de tudo, todos os sotaques, aproveitar isso de ser brasileiro e ter essa naturalidade de poder se apropriar de influências de todos os lugares.

Pérola: Em que momento vocês perceberam que a Selvagem tinha ganhado território pra além de São Paulo?

Trepanado: Como na época existia já, naturalmente, uma relação Rio-São Paulo no núcleo da Selvagem, foi natural fazer no Rio desde o começo. E a Selvagem foi o primeiro núcleo de festas que, de fato, teve bases bem estabelecidas no Rio e em São Paulo. Curiosamente, no Rio, no começo, era mais noite, apesar da cidade ser mais diurna. E São Paulo era mais dia, apesar da natureza noturna de São Paulo.

Mas depois veio o carnaval também, que a gente conseguiu juntar um pouco dos dois. E virou uma coisa tão própria que existe a Selvagem, de certa forma, e existe o Carnaval Selvagem, que conseguiu colocar as festas de música eletrônica, por assim dizer, no calendário oficial da cidade. Com muito orgulho, eu digo que é a única festa que mistura, de fato, música brasileira carnavalesca e música eletrônica.

Pérola: Qual a importância de ter se apresentado em festivais como o Dekmantel e fora do Brasil?

Trepanado: Ah, tocar fora é sempre muito gratificante, de certa forma, você ver que seu trabalho é valorizado e que tem outras pessoas em outros lugares que, às vezes, você não faz mínima ideia que estão te acompanhando. É importante pra ver que a potência mesmo do que a gente faz tá aqui.

Pérola: Como surgiu a Selva Discos?

Trepanado: Em algum momento, depois de beber muito das fontes de música brasileira, da pesquisa que a gente tinha e se aproveitar, de certa forma, da música que outros artistas fizeram, fossem através de edits e tudo, algumas coisas ficaram reconhecidas no nosso set como músicas da Selvagem. Era uma forma da gente retribuir para os artistas um tratamento que, talvez naquela época que eles lançaram, eles não tiveram. E aí, de certa forma, você dá uma segunda oportunidade para esses discos, para esses artistas, em outro contexto, contando a história com encarte, dando um acabamento gráfico de primeiro nível. 

As reedições são muito melhores do que as originais, então isso foi uma forma de retribuir um pouco para o mundo dos artistas aquilo que eles deram pra Selvagem. Essa é uma linha que conduziu os lançamentos do selo até hoje.

Pérola: Talvez o mais emblemático tenha sido o disco da Maria Rita Stumpf?

Trepanado: O primeiro, sim, porque foi algo que a gente tinha uma relação pessoal antiga, na época que a gente conseguiu recuperar. E o que eu tenho muito orgulho também é o disco do Lincoln Olivetti e do Robson Jorge, de músicas inéditas. Não vou lançar ou reeditar algo só porque existe um mercado lá fora para reedições de discos brasileiros.

Pérola: Hoje a Selvagem vem se apresentando como um hub de cultura e de experiências. O que muda nessa apresentação e nessa nova posição da festa?

Trepanado: Muda um pouco a forma como a gente se apresenta. Eu fiquei três anos morando na França e foi logo depois da pandemia. Então, essa distância, de certa forma, foi um período bom para refletir sobre o que eu queria fazer com a Selvagem, olhando até a questão de longevidade. Talvez só lá na frente se dê o devido valor. Essa forma de se reapresentar não é uma reinvenção, é só um jeito de ter olhado para dentro e ter percebido que a Selvagem já promovia experiências, já fazia conteúdo, palavra um pouco gasta, mas no sentido de que já falava de música, já tentava falar algo além de simplesmente vender ingresso. E dar prioridade para isso, para não ficar só nessa parte hedonista, por assim dizer, e olhar para o dia. Ainda que a noite seja muito divertida e que a Selvagem não vá sair da noite, mas ela também vai privilegiar o dia a partir de agora. 

Eu tento, de certa forma, até homenagear ou trilhar caminhos de clubes ou selos que foram muito importantes pra mim antes mesmo da Selvagem existir. Você pega o Roxy em Nova York, misturava os skatistas com o pessoal da New Wave, o pessoal do rap, do próprio hip hop. Esse público em São Paulo sempre orbitou o público da moda. Eles orbitavam e orbitam a Selvagem até hoje. É natural que o que a gente faça não tenha simplesmente a expressão da música ou da festa. É uma forma da gente amarrar essas pontas e recosturar um pouco esse tecido. 

A gente percebeu que precisava de outros parceiros para fazer os eventos acontecerem, para dar uma experiência legal para quem vem para a festa, para não ficar essa coisa do underground para o underground. Oferecer um serviço ruim pras pessoas é algo que vai macular a experiência principal que seria, tipo, das pessoas estarem na pista dançando e curtindo. De certa forma, foi possível expandir, começar a criar e pensar em coisas diferentes a fazer.

Pérola: O DNA da Selvagem é mesmo essa relação com a música cruzando com um certo estilo de vida?

Trepanado: A relação da música permeando todos os momentos da sua vida. O legal dessa elasticidade de ter as coisas do selo, que se ouve em casa e isso é algo que vai ser agradável, não é algo que você simplesmente coloque e fala: “ih, começou a boate em casa”.

Tem algo que está na minha cabeça há muito tempo, que é de estreitar essa relação entre a música, digamos assim, a música orgânica e a música mecânica, isso quer dizer, entre os DJ sets e shows. É algo que faz sentido depois de todos esses anos. E faz mais sentido durante o dia, porque é quando as pessoas estão um pouco mais relaxadas, estão mais abertas para parar. Tipo, agora tem um show e depois recomeça um DJ set. A estética da Selvagem tem a ver com [isso], consegue conectar esses momentos e fazer esse tipo de experiência ser natural. Em termos de eventos, em termos de frequência, talvez um pouco menos, para poder se concentrar e fazer coisas mais valiosas.

Pérola: Como você definiria a Selvagem?

Trepanado: Llibertária, multicultural e brasileira. Acho que, eu diria, de certa forma, isso resume o espírito da Selvagem do começo até hoje.

Pérola: Daniel, qual é seu papel exatamente na Selvagem hoje?

Daniel: Meu papel hoje na Selvagem, basicamente, é construir um novo caminho, uma nova estética e, junto com o Augusto, pensar o que são novas ativações e um novo momento para a Selvagem conseguir fluir por novos caminhos, um novo rumo agora.

Pérola: Como que se deu essa sua relação com o Augusto e com a Selvagem?

Daniel: Na verdade eu sou early adopter da Selvagem. A Selvagem foi uma das festas que eu comecei a ir muito novo, quando eu tava começando, de fato, a me conectar com música eletrônica, e não só música eletrônica, eu acho que esse é o grande ponto. E que me ensinou muito sobre como pesquisar a música, como apreciar a música. Esse foi o início da minha relação com a Selvagem.

A minha relação com o Augusto começou porque eu era diretor em uma empresa chamada Entourage, que fazia, enfim, tem alguns eventos de música eletrônica. E no retorno do Augusto pro Brasil, a gente acabou fazendo dois eventos da Selvagem. E foi aí que a gente trabalhou juntos, de fato.

Pérola: E por que a Selvagem sentiu essa necessidade de se reposicionar? Foi algo planejado ou surgiu meio que naturalmente?

Daniel: Olha, eu acredito que surgiu bem naturalmente nesse retorno do Augusto ao Brasil. Ele me chamou pra conversar, eu na verdade tinha acabado de sair de uma outra empresa. Ele me chamou pra almoçar e foi aí que ele puxou um papo sobre Selvagem comigo e já me puxando pra um lugar meio: olha, quero que você esteja comigo pra poder me ajudar nesse novo momento da marca. 

A gente, conversando, chegou num lugar comum de que, sim, acho que a gente precisa renovar. E não é sobre se tornar algo novo. É sobre olhar pra tudo que a Selvagem já fez e, ok, o que de fato nós somos, sabe?

Pérola: E quais foram os sinais que mostraram que a Selvagem podia ser mais do que uma festa?

Daniel: Os sinais foram a própria Selvagem quem deu. Quando a gente começou um processo inicial de pesquisa interna, um pouco de voltar para dentro de si, a gente foi fazendo um mapeamento de tudo que a Selvagem já tinha feito, desde collabs que foram parar na Fashion Week; de Selva Discos, por exemplo, enquanto gravadora; ou mesmo da própria pesquisa. E o próprio ecossistema de você construir um evento, ele é capacitado a partir de um multilateralismo criativo. Pra gente poder falar o que nós somos, a gente entrou nesse processo. Então, vamos falar pro público que a gente é também, e a gente conseguir construir isso juntos com eles.

Pérola: Eu vou fazer pra você uma pergunta também que eu fiz pro Augusto, eu vou fazer igual. O que significa, na prática, hoje, a Selvagem dizer que é um hub de experiências e de cultura?

Daniel: Significa que esperem muito mais da gente do que vocês esperavam antes.

Pérola: Como você vê o diferencial da Selvagem pra outras festas de pista também, ou de coletivos, que vêm nessa toada aí há uns bons anos?

Daniel: A maleabilidade estética. Se você pensar num set, por exemplo, da Selvagem, que você já tenha ido, você pode ter começado ouvindo Gypsy Woman e terminado ouvindo Dub, tranquilamente. E você não vai achar isso estranho, você vai achar que é normal. Isso é o que representa a Selvagem. Logo, e para qualquer lugar, é uma permissividade que a gente entende que a gente tem.

Pérola: E como manter essa essência, essa liberdade na essência da selvagem enquanto ela cresce, se expande e agora também até muda essa forma como se apresenta?

Daniel: Primeiro que não existe marca, principalmente quando a gente fala de evento, de festa e etc., que exista sem a sua comunidade. O primeiro ponto que a gente entendeu muito claramente é que precisamos nos reapresentar pra nossa comunidade e isso é o que a gente está fazendo nesse momento. O segundo momento é entender o que a comunidade também sente falta e beleza, o que a gente pode atender aqui, o que a gente não pode, o que a gente quer atender. O terceiro ponto, que eu acho muito importante, é a gente nunca perder a essência brasileira, na verdade. Porque quando a gente fala que a Selvagem sempre teve esse tom extremamente anárquico, a gente também tá falando um pouco de Brasil, né? Um pouco de musicalidade brasileira.

Quando você pensa que uma semana você está ouvindo uma música, na semana seguinte ela tem um remix de funk, de forró, ou você vai parar um dia com seus amigos e vai ouvir Shine Bright Like a Diamond, da Rihanna em versão pagode, sabe? Então, a grande questão da Selvagem é que ela é ultra-brasileira. Por isso ela sempre vai atender a mistura, atender a world music, ou vai ser um evento de dia ou de noite, e ainda assim a gente vai conseguir se manter autêntico criativamente, porque acredito que é a alma do brasileiro, sabe?

Pérola: O que a gente pode esperar de ações nesse futuro próximo? Tem alguma coisa que dá pra revelar?

Daniel: Olha, eu acho que de maneira bem direta, dá pra esperar muito mais dia. Enfim, a Selvagem, ela tem uma alma solar que nunca se perdeu, eu diria, mas que agora a gente tá olhando de novo com um olhar bem carinhoso. Um carnaval turbinado. Sigam a Selvagem no Instagram pra poder saber. É isso.

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Ele começa com um vocalize transcendente, intitulado Vocalize, inclusive, no qual ele é acompanhado por uma banda que não fica atrás, mas chega junto ao canto dele; em vez de ser pano de fundo, faz o brilho acontecer em consonância. Dá pra sentir, tal qual no azul-noite da foto da capa, algo mais íntimo emergindo.  

Depois, vem Camuflagem, que não tem como dizer que é uma típica composição “capuchiana” porque todas são – até as que não são dele, algo raro em sua discografia. Essa tem letra de Tive Martinez. Na era das trends, dancinhas e refrões chatos ou cafonas, que se pretendem incrivelmente pops, é um bálsamo ouvir Capucho e seu jorro imaginativo, com andamentos às vezes tão previsíveis quanto fortuitos. 

Como nas demais faixas, a letra é tanto canção quanto poema. O exercício da descrição do fenômeno da natureza nasce de uma experiência concreta; de um encantamento que brota da sensibilidade que permeia um universo absolutamente próprio. Melancolia e descoberta dançam juntas sobre a mesa da sinceridade. 

Cinema Orly é a música homônima a seu primeiro romance, que agora volta às prateleiras em relançamento de luxo pela editora Carambaia, parte da coleção Sete Chaves, dedicada à literatura erótica. O romance autobiográfico, assim como a canção, descreve o interior do cinema pornô do centro do Rio de Janeiro. 

A paisagem e a experiência, bem como o erótico, compõem o imaginário da criação de Capucho. Tanto que, como nota Bruno Cosentino, o disco Cinema Íris, de 2012, é uma espécie de obra-irmã do Cinema Orly. 

Não me recordo com precisão se Homens machucados já havia sido gravada ou se tenho uma lembrança dela de shows (que há muito não vejo) dele. E, como na maioria das faixas, sentir o que Capucho canta é muito mais efetivo do que tentar interpretar suas palavras – enquanto a banda segue sem atropelá-lo em seu canto torto.

Já Inferno tem a simplicidade complexa da boa poesia e o acompanhamento traz aquela guitarra seca que, por algum motivo, tendemos a associar ao ambiente quente e fumegante da figura do coisa-ruim da nossa imaginação.

O pesquisador e professor Rafael Julião, ao comentar o álbum, chama Capucho de “barroco queer” e brinca com a ideia de um “Evangelho segundo Capucho”. A alusão a Cristo em Homens Machucados ajuda a compor esse cenário, mas em relação a Inferno é interessante notar como há uma brincadeira que subverte a relação exagerada e simbólica entre ambos quando a palavra “rabo” é que vai costurando o inferno em suas diferentes formas e significados. A letra aqui é de um antigo parceiro do compositor, Marcos Sacramento (com quem ele fez, também, Homens Flores, uma canção deslumbrante)

Posso até estar enganada, mas Tava na noite tem um quê daquela fórmula que adapta o rockabilly para a jovem guarda ou para o rock gaúcho da virada da década, mas em andamento bem mais atrasado. Tem uma típica batida de mão nas cordas do violão, própria para as infames rodinhas, que quase sempre são acompanhadas por um cajón. Mas, até então, é tudo imaginação minha – por me faltar os requisitos técnicos para descrever de maneira mais fiel algo tão banal na canção. 

O fato é que qualquer violeiro que se atreva a fazer uma interpretação da faixa teria que ter também atributos cênicos para encarnar o personagem principal. Tava na noite é prosa em movimento. É uma narrativa que se desenrola enquanto se vê o cenário e mergulha-se no profundo do eu narrador. 

A faixa seguinte traz um contraste musical e sonoro. A masculinidade tem poesia contida e direta, desprovida de versos ornamentados, que se desenvolvem a partir da fórmula “A masculinidade é…”. Eles são acompanhados por um dedilhado melancólico, alto e bonito.

É estranho ouvir os adjetivos que a letra, de autoria de Kali C, vai atribuindo à masculinidade. Desconstrução e consciência sobre um tema em que vemos mais se falar mal do que bem. E não podia ser outra voz para dar coerência a tal formulação, de que a masculinidade é doce, bela, gentil, forte etc., senão a de Capucho. 

Eu não te quero mais é cortante, muito mais, claro, do que “os barbeadores embolados nas gavetas”. É uma das músicas mais bonitas do álbum (e qual não é?). Em publicação no Instagram, Capucho postou uma arte para um dos versos que resume o sentimento principal que é desenvolvido: “você não tem mais importância / no meio das coisas velhas”. Eu, pessoalmente, amei ver aparecer de novo nas canções bichos como ratos e baratas associados ao amor (vencido). Uma vibe meio “eu quero arranhar os seus discos”.  

O amanhecer do Alexandre é a última faixa e a última parceria. Junto com a primeira, formam as músicas mais longas do álbum. A letra é de Alexandre Magno, mas foi na repetição quase infinita de Capucho cantando “nã nã nã nã nã” que eu entrei em transe profundo, apesar da lindeza da imagem da “cor alva do cavalo de Ogum”. 

Homens machucados é um disco bem acabado, em que a aspereza sonora própria da musicalidade de Capucho vem amenizada. A capa, que mencionei pela cor, é uma foto deslumbrante do compositor. E a banda: Mari Romano (que tá prestes a lançar álbum novo, Vitor Wurtzki e Hudson Rabelo. Tudo isso amarrado pela produção de Clemente Francesco (ou, para os íntimos, Bruno Cosentino, meu ídolo).

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Hoje eu vou contar como o gurufim do Planet Hemp também quase foi o dia que eu matei meu joelho – direito, porque ainda precisava do esquerdo para entrar em 2026. Besteiras e clichês à parte, incluindo a ideia de uma turnê de despedida de uma grande banda, os caras conseguiram elaborar um espetáculo que foi além de qualquer expectativa. 

O show começou com os telões exibindo textos que rememoravam a História, não só da banda, mas de quando o continente e o país eram só fumaça de bomba e, depois, de beck. Não há como não sinalizar os mais de vinte anos em que o Brasil esteve sob uma ditadura militar (1964 - 1985), mas também que em 1973 o presidente Salvador Allende sofreu um golpe no Chile – que seria o último país a colocar fim ao regime.  

Nessa linha do tempo, entra a vinda da lenda jamaicana Peter Tosh ao Brasil para o Festival de Jazz de São Paulo, em 1980, e a agenda dele, que incluía participação no Fantástico e na novela Água Viva, da TV Globo – é mole? Isso, hoje, parece impensável para quem não viveu aquele momento e nem viveria o surreal verão da lata. Mas o roteirista do show do Planet, no caso, o grande Carlos Albuquerque, e o do Brasil não pararam por aí: incluíram nessa introdução a lembrança de que o filme de Cheech Chong, Up in smoke, foi traduzido por aqui como: Queimando tudo…

… até a última ponta.

Muito bom pra ser verdade? Tinha mais, do bom e do pior. Pepeu Gomes, já em carreira solo e anos depois dos Novos Baianos terem sido filmados para o documentário de Solano Ribeiro no sítio de Jacarepaguá, é acusado de apologia às drogas e censurado pela música O mal é o que sai da boca do homem. 

Você pode se perguntar: “mas, Pérola, por que você está reproduzindo fielmente o que se passou no telão do show, se quem foi viu o que passou?”. Porque relembrar é viver – brincadeira. Porque todo esse contexto histórico e cultural é interessante para entender porque o Planet Hemp se tornaria uma banda de tanto destaque. Além de ter sido um longo, mas importante preâmbulo para a explosão de energia que estava por vir.

Como lembra o jornalista Pedro de Luna na biografia da banda, apesar da maconha ser algo muito presente e central na vida dos garotos que formariam o grupo, ainda não era muito óbvio que esse seria o assunto principal de suas composições. Mas eles logo sacaram isso e que a resposta do público por onde tentavam apresentar-se era não exatamente positiva, mas vibrante (juro que não usei o chat gpt pra fazer esse texto, estou ciente de que ele ama esse termo, mas não consegui pensar em outro porque, afinal, o que caracteriza quando o público grita, se exalta de espanto e alegria com algo que é dito no palco? Vibração). 

O Planet Hemp começou fazendo shows em um espaço underground chamado Garage, no Rio de Janeiro, e Marcelo D2 faz questão de destacar a importância tanto do espaço quanto de seu dono. Ele também ressalta o papel central de Skunk, parceiro musical e de loucuras com quem fundou as bases do que a banda viria a se tornar. A proximidade entre os dois era tamanha que, segundo as namoradas de D2 à época, Skunk tinha ciúmes até delas. Skunk morreu ainda em 1994, antes do lançamento do álbum Usuário, pelo selo de Elza Cohen, do festival Superdemo.

O show pinça muitas das pessoas e locais importantes por onde eles circularam, desde as primeiras loucuras à concretização de um projeto que, agora, tem mais de 30 anos. E reflete a luz e a sombra que o Brasil nunca deixou de produzir: de um lado, o movimento manguebeat; de outro, a chacina da Candelária; o Impeachment do “caçador de marajás” cá; tetracampeonato da seleção brasileira lá. 

A gente acha que o mundo está caótico agora, mas os anos 1990 não devem ter sido moleza, também. Era inflação comendo solta e consequências da repressão da ditadura se refletindo na juventude e na desigualdade social que só se aprofundou. Fora que qualquer informação ou produto cultural de fora sofria imensa dificuldade para chegar até aqui. 

Enfim, depois de páginas desse prólogo, mais uma projeção se desenrola sobre os anos pregressos – dessa vez em vídeo –, anunciando que, de fato vamos mergulhar nesse “livro” chamado Planet Hemp - A última ponta. No índex, os capítulos a serem apresentados. Quem tem seda? volta, de novo, ao final dos anos 1980, pincelando a cena local, como o show das bandas Defalla e Coquetel Molotov. As referências do punk paulista arrebataram aqueles garotos que vagavam pelo bairro da Lapa e pelos inferninhos de sul a norte da cidade, fazendo com que o rap carioca se diferenciasse definitivamente do paulista – este, mais ligado ao som black e às mensagens de conscientização social e racial.

Isso veio em doses didáticas ao longo do show, tanto no capítulo dedicado ao clube Garage, que abre com Mary Jane, quanto no bis surpresa: a despedida da banda em São Paulo não podia não contar com o maior ícone do punk brasileiro, João Gordo – que, claro, não foi o único convidado da noite. Pior que, quando chegou aqui, hora de pular descordenadamente, meus ossos do joelho já deviam estar raspando um no outro por falta de cartilagem.

Como se não bastasse ver a dupla D2 & BNegão, junto a Formigão, Nobru, Pedro Garcia, Ganjaman e entradas de Zegon, a noite reservou ainda a participação de Emicida, Seu Jorge e Pitty. Ou seja, uma teia contínua de relações que atravessam a trajetória da banda.

Emicida aparece como desdobramento de um caminho aberto nos anos 1990, quando o rap ainda enfrentava resistência institucional e circulação limitada. A relação se estabelece pela continuidade de um discurso que sempre esteve em disputa, agora em outro estágio de reconhecimento. Já Seu Jorge tinha que estar presente pela sua relação direta com a história da banda, ter integrado a percussão após sua saída do Farofa Carioca.

Imagens do show só aqui pra não sobrecarregar o texto

Pitty entra em cena a partir de um vínculo anterior ao sucesso solo. Vinda do hardcore, da banda Inkoma, ela compartilha com o Planet Hemp uma formação ligada ao circuito independente. As duas músicas escolhidas são de Admirável Chip Novo, seu primeiro disco solo e o mais próximo às bases do rock. 

Mas, claro, ainda faltava alguém ali naquela festa, né? Black Alien, Gustavo ou, como o chamou B Negão, Gustavinho. E ele apareceu como se fosse surpresa para todo mundo que estava no palco, que não tinha ainda certeza se ele chegaria ou não. Muitas questões aí que a gente sabe que pegam. Mas, a partir desse momento, foi tudo ainda mais apoteótico e catártico do que tinha sido até então. Só de ver os vídeos do dia me arrepio.

E foi um dia para sentir toda a energia das décadas de vivência, luta, suor, sangue e cana dessa banda única na história da música brasileira – sim, né, porque não teve nada que se compare à trajetória e ao papo reto em relação à polícia, à política e a repressão do que o som desses caras. 

E, no fim, enquanto João Gordo pogava no palco com BNegão e D2, armava-se o gran finale. Foi divertido ver Black Alien e Zegon passeando pelaapresentação ou sentados num sofá que tinha no palco, assistindo àquele filme que estava para terminar com um final feliz (ao menos para quem via lá de baixo). 

Claro que mesmo nesse texto mais ou menos longo e no vídeo que publiquei no Instagram não consegui colocar tudo do que se passou naquele palco aquele dia e da energia que pipocava na pista. Ainda teve mais história, mais convidados, mais rodas, mais pulos e gritinhos. O gurufim é uma celebração, e assim foi. A história, por mais que possa ser retomada, cumpriu seu destino, reunindo referências, parcerias e contextos, dos mais amplos aos mais específicos. 

Já a abertura da noite ficou por conta de um show do BaianaSystem, que eu só peguei o final. A escolha que dialoga com a espécie de transe que se cria pela apresentação de ambos, mesmo com a distância histórica das trajetórias e dos traços estético e político de ambas. 

Mesmo perdendo o show de abertura, meu joelho pediu 10 dias de anti-inflamatório e uma injeção de corticóide. Não sei como vocês conseguem correr impunemente pela cidade, por vontade própria, sem consequências… eu, em um mísero showzinho mais animado, já sinto toda a idade.

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Em assembleia geral realizada no Sindicato dos Jornalistas de São Paulo na noite da segunda-feira, 26 de janeiro de 2025, a APCA — Associação Paulista de Críticos de Artes escolheu os melhores de 2025 nas seguintes categorias: Arquitetura, Artes Visuais, Cinema, Dança, Literatura, Música Erudita, Música Popular, Rádio, Teatro, Teatro Infanto-Juvenil e Televisão.

Para o presidente da Associação, Celso Curi, neste ano

a APCA celebra 70 anos de atuação ininterrupta na defesa, reflexão e valorização das artes no Brasil. Sete décadas marcadas pela independência crítica, pelo reconhecimento da excelência artística e pelo diálogo permanente com a cena cultural. Uma história que reafirma o papel da crítica como memória, pensamento e impulso para o futuro da arte brasileira.

A 70ª cerimônia de premiação com a respectiva entrega dos troféus está prevista para maio, no Teatro Sérgio Cardoso, em São Paulo, numa parceria viabilizada pela Associação Paulista Amigos da Arte e Secretaria de Estado da Cultura. A APCA está em busca de apoios e patrocínios.

Na categoria MÚSICA POPULAR, o júri formado por Adriana de Barros (Sonora e Mistura Cultural), Alexandre Matias (Trabalho Sujo), Bruno Capelas (Programa de Indie), Camilo Rocha (Bate Estaca), Cleber Facchi (Música Instantânea e Podcast VFSM), Guilherme Werneck (Canal Meio e Ladrilho Hidráulico), José Norberto Flesch (Canal do Flesch), Marcelo Costa (Scream & Yell), Pedro Antunes (Tem Um Gato na Minha Vitrola) e Pérola Mathias (Poro Aberto e Resenhas Miúdas) escolheu:

GRANDE PRÊMIO DA CRÍTICA: Ney Matogrosso
ARTISTA DO ANO: Luedji Luna
DISCO: “Rock Doido”, Gaby Amarantos
SHOW: Jadsa
MÚSICA: “Zelite”, Douglas Germano
PROJETO ESPECIAL: HIP-HOP 80’sp — São Paulo na Onda do Break, Sesc 24 de Maio
REVELAÇÃO: Ajuliacosta

Confira o que foi destaque para a crítica em todas as 11 categorias:

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Eu fui até o estúdio Jalapeño conversar com a banda e entender mais do universo sonoro que o grupo vem criando. A conversa é mais ou menos longa e bastante generosa. Seus integrantes falam sobre como suas trajetórias na música, que vêm do punk, do hardcore, do rock e do indie foram se encontrando até formar um vocabulário próprio, atravessado pelas inúmeras vertentes do jazz, do bebop ao fusion, pela música instrumental brasileira setentista e, também, por uma escuta atenta ao presente.

Ao longo do papo, os músicos comentam o processo de criação coletiva e o amadurecimento do grupo depois de já terem lançado três discos: Pupilas Horizontais (2020), Diptera (2022) e Natureza (2025). Além disso, eles falam da importância do improviso como espaço de identidade e risco, e a forma como as referências ajudam a formar complexos panoramas criativos musicais.

Também entram na conversa o novo single, Mãe da Lua, a parceria com Mista Luba, a relação com o hip hop e os planos e novidades para o ano que recém começa. 

Há ainda histórias divertidas de bastidores e reflexões sobre o público que se forma entre cenas distintas. 

A leitura é um convite para conhecer — ou aprofundar — o universo da Bufo Borealis antes de vê-los ao vivo, num show que, como eles mesmos dizem, nunca se repete da mesma forma.

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Pérola: Vocês vêm de carreiras musicais de bandas que são bem diferentes entre si e do projeto da Bufo. Tem rock, hardcore, punk, indie. Na hora de compor e de tocar, como essa bagagem musical se encontra no som que a Bufo faz?

Rodrigo: Na hora de compor, a gente traz as ideias já pensando num vocabulário nosso. Depois de três discos, a gente tem meio que isso, o que funciona e o que não funciona. Mas, na maioria das vezes, a gente traz ou um “riff” de bateria, ou um riff de guitarra, ou alguma frase, e aí quem entende de harmonia que são eles [Tadeu e Vicente], começam a fazer em cima de uma coisa bem básica, um fragmento. Qualquer coisa que a gente tá ouvindo bastante na época, a gente acaba tentando imitar e dá errado. Aí vira uma música nossa.

Vicente: Eu acho que uma das graças do que a gente faz aqui na banda é que, pelo fato de nenhum de nós ser especificamente do jazz, da música instrumental, e da gente chegar um pouco com uma bagagem de outro lugar. vem uma coisa de muita reverência por esse tipo de som. Especialmente o Juninho e o Rodrigo, quando eles começaram a banda, que eram só eles dois, eles são caras que são muito apaixonados por esse tipo de som, anos 70, Miles Davis, todo mundo do Bebop.

Não é um som que parte da [ideia de]: “ah, a gente sabe tocar, a gente vai querer fazer esse som porque é o que a gente consegue fazer”. É justamente por não ser o que a gente sabe tocar, mas ser uma coisa que a gente gosta muito e tem uma admiração muito profunda. E aí acho que o mais importante é a gente tentar compartilhar essa reverência por esse som, sabe? Uma das grandes graças do Bufo é que é uma música que a gente tá tentando comunicar a paixão por uma música que já existe, fazendo a nossa música um pouco diferente. Parte de um lugar de muita reverência por esses artistas de 40, 50 anos atrás. Especialmente, acho que do Fusion, mas um monte de outras coisas.

Pérola: Deixa eu aproveitar que você falou dessas influências do Bebop e do Fusion, mas eu sinto também que tem uma coisa que aparece em algumas faixas que também dialoga muito de perto com a produção experimental, do jazz e da música instrumental brasileira. E eu acho que até o nome de algumas faixas dá um pouco essa dimensão. Por exemplo, “Urca”, no último disco, tem uma que chama “Hermeto”, essas referências acabam se juntando e aparecem no resultado final.

Tadeu: No caso de Urca é porque a ideia principal da música veio lá. A gente estava na Urca, a gente tinha ido tocar no Rio, e no momento de voltar pra São Paulo, de colocar as coisas no carro, equipamento e tal, veio a inspiração da melodia, da linha de baixo, e a gente desenvolveu. E a questão da sonoridade brasileira, é porque nós somos brasileiros, né? E acho que tem a ver com a pergunta anterior. É esse caldeirão de influências mesmo, da gente ouvir de tudo. Assim como é o Brasil, e são várias informações e influências de todos os lados, então elas saem meio naturais. Por exemplo, se parar pra pensar, fazer uma música com o nome Hermeto, é uma coisa seríssima, né? Nem estaria aqui, estaria em casa, quietinho. Só que pra gente o amor pela parada, pela música, sai pelos poros, então é como se fosse uma necessidade de fazer.

Juninho: Só complementando aqui o que o Tadeu falou e um pouco o Vicente, eu acho que, assim como eles citaram o Miles Davis, a gente também tem nessa mesma época muitos músicos brasileiros tocando esse tipo de som, que fizeram essa onda também. Então, a gente escuta esses artistas desde sempre, porque a gente acha legal e combina esse som. Mas, às vezes, na semana, você tá escutando um outro disco, de outro estilo, e acaba misturando aquilo. De repente, sei lá, tá escutando o disco novo do Tyler, The Creator, mas aí você fala assim, não, vamos fazer esse negócio meio Tyler, meio Beastie Boys, meio sei lá o que, mas de um jeito meio Sly and the Family Stone. Só que, assim, como são vários instrumentos e não tem uma voz pra seguir, a gente acaba encontrando um meio da sonoridade ficar do jeito que a gente tentava criar [algo] uniforme.

Kishimoto: Eu acho que agora, no terceiro disco, a banda também amadureceu como um grupo] tanto que agora tem mais composições sem ser do Juninho e do Rodrigo, que são os criadores. Pela minha perspectiva, eu sempre curto trazer um pouco de ritmos que eu curto e venho aprendendo há alguns anos. Então, desde ritmos brasileiros a ritmos de Cuba, Colômbia, a cúmbia. E também as misturas, sem querer copiar nada e ficar um pouco mais livre. E eu acho que parte da identidade que a banda criou se revela um pouco na forma das músicas, né? Foi meio que naturalmente a gente chegou num lance que as músicas tem bem a forma, o formato do Bufo mesmo: mudança repentina de andamento, ou uma parte que se conecta depois, que volta à primeira. E, voltando um pouco à primeira pergunta que você fez, eu acho que a influência de cada um também entra em alguns momentos que a gente improvisa. E aí eu acho que se revela a bagagem de cada um através desses momentos improvisados, cada um traz um pouco do seu próprio molho.

Pérola: E vocês têm um single novo, recém-lançado, Mãe da Lua. Fala um pouco sobre esse single.

Juninho: Então, [é com ] o Mista Luba, meu amigo Luiz, mais conhecido como o DJ do Rincon Sapiência – eu acompanho o trabalho dele há muitos anos, a gente é amigo, e ele também curte as coisas que a gente tá fazendo aqui. E aí a gente sempre brisou que as músicas serviriam pra ser um hip-hop, daria pra samplear. Imagina algum DJ samplear uma coisa nossa? A gente sempre também teve essa brisa.

É bem comum hoje em dia, várias músicas são feitas no hip hop, principalmente, de pedaços, fragmentos do funk, do jazz, né? E aí eu troquei uma ideia com ele, aí eu peguei as tracks sem estarem mixadas e mandei pra ele.E ele falou, não, eu vou fazer um. Aí a gente passou de referência pra ele aquele disco Donuts, do J Dilla. Eu falei: “meu, faz aí, livre, nessa onda”. E aí, além dele ter feito a música, ele fez também o videoclipe.

Pérola: E, bom, são três discos, tem esse single novo e vocês vão fazer um show agora no dia 23 de janeiro no Sesc Belenzinho. E o que o público que for pode esperar?

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Rodrigo: Os shows todos são diferentes. Às vezes a gente repete o repertório uma vez ou outra, mas mesmo repetindo o repertório é sempre diferente. Acho que isso é parte dessa liberdade de como tocar. Às vezes o primeiro solo começa pelo Vicente, ele faz um solo diferente, às vezes muito diferente do que ele fez no disco, ele vai dar o tom para os outros fazerem de tal forma. E quando voltar em mim, a levada vai estar um pouco diferente. São os sotaques, né? São coisas do momento mesmo. Às vezes a gente tem uma passagem de som de um jeito que a gente fala: “nossa, como tá lindo isso desse jeito, vamos tocar assim”. Aí o Vicente, já muito mais real com as coisas, fala: “a gente não vai conseguir. Esquece”. Porque é isso, é uma coisa da hora mesmo que acontece ali. 

Então, esse repertório [do próximo show] vai ter bastante coisa do Natureza, por ser o disco novo, mas, a gente vai tocar músicas que a gente não tocava já há algum tempo do primeiro disco. Tem uma [música] nova, nova mesmo, acabou de ser feita, que vai entrar no meio das coisas, sem aviso. E tem mais duas surpresas, então é isso.

Pérola: E falando em surpresa e música nova, a gente tá em janeiro ainda, né? Acho que quando a gente conversa com uma banda no começo de ano, a gente sempre quer saber se tem planos desenhados aí pra vir. Vocês vão entrar em estúdio ou vão compor? Tem disco novo? Tem alguma coisa por aí?

Rodrigo: Um pouco de cada coisa dessas. A gente tá curtindo pra caramba vir aqui pro Jalapeño, que é o estúdio do Kishi, e ficar tocando. E daí, mesmo num ensaio que seria pra ser mais protocolar, a gente acaba chegando em coisas muito legais, que estão já virando músicas. Então, um pouco de música nova já tá rolando, tem um monte de plano aí que a gente já tá fazendo direitinho, assim, com programações que não dependem só da gente.

Mas o principal é que a gente quer continuar fazendo música. Acho que é isso. A gente se juntou pela música, então acho que é por ela. E aí a consequência disso vão ser os shows e todas essas novidades aí.

Pérola: Eu tenho uma curiosidade quase pessoal. Vocês, como comentei no começo da entrevista, vêm de carreiras musicais já de muito tempo, de outras bandas, com outros ritmos, gêneros, repertórios, etc. E eu queria saber se o som da Bufo encontrou esse outro nicho de espectadores, de fãs de vocês.

Kishimoto: Duas histórias engraçadas pra contar. Eu tava assistindo o Iggy Pop, no The Town. E aí eu tava indo encontrar o Rodrigo, a gente não tava junto, aí no caminho, lá numa subidinha no morro, um cara começou a gritar comigo, um grupo de pessoas, assim. Eu não entendia o que eles queriam. E aí, quando eu vi, eles estavam com o casaco da Bufo, mostrando assim: “Olha, Bufo, Bufo”. Achei muito engraçado.

Pérola: Eu achei que você ia chegar num lugar diferente, assim, meio “traidor do movimento”.

Kishimoto: A outra é mais inusitada, é engraçada também. Eu fui no show de despedida do Planet Hemp. Tava fazendo muito calor no dia, eu tinha trabalhado aqui no estúdio o dia inteiro, tava super cansado. Chegando lá, toda aquela fumaceira, tava com a roupa totalmente inapropriada, calça de veludo e botas, num dia super quente. E aí comecei meio que a passar mal. Já tinha acontecido outras vezes, eu fui meio que correndo pra enfermaria lá do Allianz. 

E aí, chegando lá, a pressão começou a cair no show, fui correndo pra enfermagem, tomei uma água, tava me recompondo, super derrotado, né? E a enfermeira perguntou: “você não toca no Bufo Borealis? Eu sou fã, eu e meu marido…”.

Juninho: Pra mim é engraçado, eu toco no Rados de Porão, que é uma banda barulhenta, e tenho um monte de seguidor no Instagram que me segue por causa do Ratos, que é uma banda conhecida e tal. E aí eu fico lá postando as coisas do Bufo e coisas de jazz, muita gente manda mensagem dizendo: “ou comecei a escutar jazz por sua causa”. Tem gente que fala: “eu tô começando a escutar esse tipo de som aí, me recomenda uns artistas aí pra eu ouvir”. Eu fico mandando lá uns links, umas coisas, e de vez em quando a galera cola no show, com camisa do Ratos, do Bufo e tal.

E assim, a gente tá nessa missão aí de divulgar a parada além de tudo. A gente se juntou e falou: “meu, vamos fazer um som diferente”, que nenhum de nós aqui nunca tinha feito, né? 

Tadeu: É, o que eu ia falar era isso, que assim, tem sido muito louco isso que nos shows pinta a gente de todo lado, pinta a galera do skate, pinta o punk, não é um lance fechado no mundo da música instrumental. E, ao mesmo tempo, tem as pessoas da música instrumental que nos respeitam, nos inspiram a continuar. E é muito louco que isso é tudo muito natural, sabe? E na minha cabeça, falando por mim, é uma ideia muito louca que eu sempre tive na minha mente, de uma música que tivesse todo mundo junto ali, sem fronteiras, sem barreiras, interagindo e se divertindo. E eu acho que a gente tá conseguindo, isso não tem preço.

Pérola: Eu tô aqui com Tadeu, Juninho, Kishimoto, Rodrigo, Vicente. Tá faltando ainda o Anderson, do sax. E, bom, no disco e nos shows, às vezes, também tem participações de outras pessoas. Às vezes Daniel Gralha toca, já teve Edgar Scandurra. Como que vocês definem as participações? E como é essa dinâmica de chamar outras pessoas pra somar nessa grande junção de ideias musicais que é a Bufo.

Rodrigo: Também é outra coisa que acontece, acho que naturalmente, porque a gente observa essas pessoas tocando como fãs há muitos anos. No caso do Edgar Escandor, no caso do Lúcio Maia, que fez com a gente. Aí agora, mais recente, o Daniel Verano, o Gralha, há muito tempo o Juninho falava dele.O mais importante, além da admiração pelas pessoas tocando, é [a admiração] pela pessoa mesmo. Acho que isso é o principal. E a outra coisa que é principal é eles entenderem o que acontece aqui. E eles entendem total, eles se identificam com isso. Tanto é que eles chegam pra tocar, a gente não tem que falar nada. É o mais legal. É tudo muito familiar, eles chegam e tocam. Não tem que falar nada. 

Eu ouvi uma vez o Edgar falando num programa, quando a gente foi fazer o Instrumental SESC Brasil, fizeram uma entrevista com algumas pessoas, e daí ele falou “eles foram super generosos. Eu fui lá tocar e eles não me falaram nada. Fui e toquei”. Mas não é questão de generosidade. Você sabe que é feijão sem bicho, né? Não tem como dar errado.

Tadeu: Ao invés de falar algo, a gente tá ali tocando com ele e curtindo ele tocar, aprendendo com ele, observando, né? Então essa troca é muito importante. Não sei, tem uma coisa de sintonia, assim, que é como se tudo meio trabalhasse numa certa frequência, num certo local, e tudo flui, sabe?

Rodrigo: Qualquer um desses, todas as pessoas que a gente já chamou para fazer alguma coisa com a gente, a gente vê que tem outra coisa em comum, que é o amor pelos discos, assim, o lance de ouvir música. Todo mundo gosta muito, sabe?

Pérola: E isso influencia muito também na hora de improvisar, né, na linguagem.

Rodrigo: Completamente, principalmente para quem é autodidata, que é o meu caso, o caso do Juninho, o caso do Edgar, o Lúcio é autodidata, porque você não tem como falar: “faz não sei o que aumentado”. Você fala: “ah, você falou um nome, Robert Fripp, Lee Morgan” e é isso, funciona. Quando você tem que dar esses exemplos, é uma coisa muito mais onomatopaica do que uma coisa técnica. E funciona. Pra gente, funciona lindamente.

Pérola: Gente, legal demais. Obrigada. Apareçam no show no SESC dia 23, SESC Belenzinho, 21h.

Não achei 2025 um grande ano na música brasileira, o que não quer dizer que não tenha gostado de nada. Meu álbum favorito, agora posso dizer com todas as letras, foi Matriz infinita do sonho, do pernambucano Beto Viana. De quem eu também vi um show pauleira, que juntou Bubu no baixo, Lello Bezerra na guitarra, participações de Ava Rocha e Nana Carneiro da Cunha, mais um elenco de tirar o fôlego. Fiz uma resenha dele aqui. 

Não sei se diminui a quantidade de música que ouvi no ano passado (o app do streaming que eu vou cancelar acusou bem isso) porque me dediquei a um trabalho fixo que paga as contas ou só porque estava desanimada com a música mesmo; mas a de shows vistos, com certeza. 

Antes que esse texto vire uma grande lamúria, também devo dizer que, dos shows vistos, muitos foram épicos. E também que uma das coisas mais legais que a música já me deu aconteceu no ano passado: ir cobrir um festival em Cabo Verde. Vi shows de vários artistas dos PALOP, mas também de outros países da África. E, através do som, conheci muito não só da cultura e da história, mas também da política que perpassa o continente-mãe. E, não tem como negar, somos quase todos muito ignorantes aqui do outro lado do Oceano. Nesse sentido, não é só à América Latina que o Brasil dá as costas, mas a muito do que constitui os países da diáspora transatlântica. 

O show da cantora da Guiné-Bissau Fattu Djakité foi, com certeza, um dos mais hipnotizantes do ano. E ela lançou em agostou ou setembro esse single, homenagem a Titina Silá, uma das principais combatentes na luta pela independência, junto com Amílcar Cabral.

Além da 36ª Bienal de SP, que só tive a oportunidade de ir uma vez antes de seu encerramento, e, portanto, não percorri de maneira suficiente para poder falar sobre, comecei o ano visitando a exposição A terra, o fogo, a água e os ventos – Por um Museu da Errância com Édouard Glissant. Lá está a maior parte das obras reunidas pelo poeta-filósofo no Memorial ACTe (Centre caribéen d'expressions et de mémoire de la Traite et de l'Esclavage), em Guadalupe.

Além delas, os curadores Ana Roman e Paulo Miyada selecionaram obras que, apesar de não pertencerem à coleção, dialogam com ela, como peças do baiano e ex-diretor do Museu Afro Emanoel Araújo – o que, na minha humilde opinião, foi um grande acerto. Mas também encontramos nomes mais contemporâneos, como um vídeo do também baiano Tiago Sant’Ana – muito bonito estetica e conceitualmente, mas que achei que deixou a desejar no texto. 

A mostra é dividida em duas grandes áreas inspiradas nos dizeres do filósofo e poeta martinicano, “A palavra da paisagem” e “A paisagem da palavra”. Alguns artistas podem ser vistos mais de uma vez ao longo da exposição, como o cubano Augustín Cárdenas. O grande feito é que a mostra nos apresenta artistas de países que, em geral, não integram os grandes circuitos das artes ou da mídia. Assim como a história de seus países e de suas trajetórias ou errâncias, para usar um termo do vocabulário de ideias de Glissant. 

Este é outro dos ganhos da exibição aportar por aqui, dar visibilidade a um pensamento tão complexo, atualizado, filosoficamente bonito e praticamente potente, como o de Glissant. 

A outra exposição que visitei nos últimos dias foi Som e fúria, na Casa Cultural do Parque, em frente ao parque Villa Lobos. A seleção de obras expostas nas diferentes mostras da casa fazem parte do acervo da particular da fundadora do projeto, Regina Pinho de Almeida. E, por mais que o ciclo expositivo se divida, muitas da sobras dialogam entre si.

Em Som e Fúria estão expostos o “Gotejador” de Paulo Nenflídio, que já tinha tido a oportunidade de ver antes no MUBE, “Números”, do Chelpa Ferro, que estava desligada, e um enorme “quadro” de Nuno Ramos, sem título. Se a proposta da curadoria era “ver o som e ouvir a imagem”, acho que uma das obras que se destaca é a de André Komatsu.

Já a engenhoca de Mariana Manhães surpreende por despertar curiosidade e ser, afinal, divertida. “entre a estrela e a serpente”, de Marta Jourdan, é o tipo de peça que eu poderia ficar horas observando. Uma clássica fotografia de Evandro Teixeira, de uma passeata na Candelária sendo dispersada em plena ditadura, também cumpre bem o papel - é só imaginar a cavalaria da polícia chegando junto com as bombas, uma imagem sonora por si só.

Nas outras salas e no jardim encontramos nomes como Laura Erber, Bruno Dunley, Estela Sokol e sua belíssima “Crepúsculo 3”, José Resende, Bárbara Wagner e artistas latino-americanos, como Iván Navarro. E também uma réplica da Valise de Duchamp. A peça do Cildo Meireles que está por lá é uma das que me ganham. E, para comprovar o diálogo entre as salas, os “Poemóbiles”, de Augusto de Campos e Julio Plaza. 

Ps: tem coisa demais acontecendo nessa foto.

Garanto que vale a visita às exposições. Espero que você encontre um dia de sol mais ameno nesse janeiro eterno. 

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Registrado em apenas três dias de estúdio, o disco nasce menos como obra pré-concebida e mais como acontecimento. Improviso, escuta mútua, sobreposição de baterias, guitarras, eletrônica, vozes e percussões formam um corpo sonoro que se organiza tanto no calor da gravação quanto no trabalho posterior de edição e composição. Aqui, o estúdio deixa de ser apenas um lugar de registro para assumir papel ativo.

O título do álbum retoma o espírito da No Hope Tour, projeto iniciado em 2018 que levou TEST e DEAFKIDS a dezenas de cidades, reforçando uma ética de circulação independente e troca direta com públicos diversos. Sem esperanças recusa de promessas fáceis, fórmulas estáveis ou caminhos previsíveis, mas serve como luz guia em meio a períodos em que o mundo é tomado por sombras. 

Nesta entrevista, os integrantes das duas bandas — João, Barata, Sarine e Douglas — refletem sobre processos de criação coletiva, improviso, aprendizagem mútua e transformação constante, seja no estúdio, no palco e na própria ideia de como fazer e pensar música hoje. Um diálogo que revela como, mesmo após inúmeros shows e reconhecimento internacional, ainda é possível inventar vocabulários, deslocar limites e encontrar sentido no risco compartilhado.

Pérola: Quando vocês entraram no estúdio em dezembro, já tinha algum material pré-composto ou se vocês foram criando ali no improviso, aproveitando que tem uma super integração, porque vocês já tocaram junto várias vezes.

Barata: A gente foi criando, não tinha nada. Tem até uma música que é uma das que a gente tá gostando de tocar, que a gente fala que tava cada um no seu próprio mundo ali no estúdio, tocando, e aí foi criando um lance do nada mesmo, assim.E cada um já tinha um pouco da sua ideia, já tava pensando um pouco nas músicas do disco e tal, só que de tocar junto. De concreto, mesmo, não tinha nada, não.Sarine: Esse disco é muito a gente tocando junto na gravação, mas ao mesmo tempo, tanto o Douglas quanto o João, no pós do disco, escreveram o disco também, no sentido de montar as músicas. Muitas coisas ali se tornaram música, de uma maneira mais organizada, através do estúdio também, que é um bagulho que todas as bandas já fazem também, né? De usar o estúdio como instrumento, mas talvez nesse disco de uma maneira mais composicional mesmo. O que é bem doidão também, engraçado, porque quando a gente vai voltar a tocar a música, pro ao vivo, já vira uma outra coisa. A gente meio que aprende a tocar uma parada que foi composta de uma maneira mais mental.

Pérola: E nesse sentido, acho que o TEST vai mais, apesar de todo o experimentalismo, de passear por diversos gêneros, puxa mais para o grind; acaba que o DEAF KIDS passeia pelo drone e tudo. Como foi decidir isso no estúdio, de levar para cada lado um pouco mais?

João: A gente não pensou “ah, vamos fazer um disco de um determinado estilo”, a gente organizou primeiro a parte da gravação, deixou tudo pronto pra ser gravado, qualquer ideia, e foi fazendo sem o mínimo de pensamento sobre o que sairia. Ou “ah, eu vou trazer essa música que parece DEAF KIDS”. Não teve isso. Eu acho que ficou uma mistura das duas bandas bem nítida. 

Sarine: E bem orgânica também, da forma que a coisa aconteceu. Como a gente toca junto há muito tempo, é normal que a gente aprenda a se complementar de jeitos naturais. Tem música que tem um beat, tem uma conga e já tem o espaço da bateria e vice-versa, às vezes é uma música que é mais de duas bateras ou de duas guitarras, sabe? Tipo assim, o Douglas tocando percussão numa música ou só disparando coisa, aplicando efeito em voz, filtrando coisa, então é muito bom que a gente já ganhou a versatilidade nas formas de interação, né? Acho que a gente já criou uma interatividade, uma consciência mútua.

Pérola: Ah, isso é legal. E foram três dias de estúdio, é isso mesmo?

João: É, o que a gente chama assim, do primeiro esqueleto que foi feito, foram três dias. Teve, talvez, um dia pra passar o som e a gente foi indo. Depois teve um processo de pós, de mixagem e gravação de vocal, de synth em cima, que foi mais eu e o Douglas, a gente se reuniu pra terminar o disco, mas o esqueleto dele foi tudo em três dias. Porque a gente percebeu que a gente nunca ia se encontrar para compor um disco, a agenda não ia dar. Então, essa foi uma maneira que a gente encontrou para desenvolver e deu super certo.

Pérola: E, nesse sentido, imagino que tenham sido dias intensos de criação, como foi decidir o que entrava e o que saía? Ou entrou tudo, ou sobraram coisas?

João: Entrou tudo praticamente.Douglas: Até gravação de celular entrou no disco. Foi praticamente tudo.Barata: E a ideia inicial de tudo era ser um EP. Depois a gente achou tinha material pra ser um 10 polegadas. Depois, um 12 polegadas, de tanta coisa que a gente conseguiu fazer, e aí gente pensou em aproveitar tudo mesmo.

Pérola: Vocês já fizeram umas centenas de shows juntos, né? Literalmente uma centena.Então vocês têm um diálogo, um vocabulário que eu imagino que seja muito próprio, de interagir uma banda com a outra. O que vocês aprenderam uns com os outros nesses anos de estrada, nessa hora de compor, de improvisar?

Barata: A bateria do Mariano é bem mais percussiva do que a minha, que é mais reta. Tanto que, nesse disco, ele que já chegou, na maioria das músicas, com a batida ali, e eu aprendi a complementar as coisas que ele faz. Agora que a gente já tocou mais as músicas e tal, eu tô conseguindo criar um pouquinho mais em cima. Só que eu ainda espero ele chegar com a bateria para eu complementar a bateria percussiva dele. Foi uma das coisas que eu aprendi com ele.Sarine: E ao mesmo tempo, com os dois, acontece isso também, tocando percussão e tocando synth com o TEST, e que eu aprendo com o Douglas também nos DEAF KIDS bastante. Eu tendo a ser muito verborrágico na forma de tocar. E aí é muito fácil, se você não reduz o que você tá fazendo, não no sentido de quantidade de nota ou algo do tipo, mas se você não foca naquilo de dar um sentido musical, saber quando limitar de uma certa maneira a improvisação da coisa, você perde um pouco da intenção musical, da ideia. Então, é um negócio de encontrar espaço.

E aí, por exemplo, tocando percussão é muito mais fácil ser mais verborrágico e ficar contrariando mais o tempo, porque a batida já tá na mão do Barata. Então, se você quer fazer uma ideia mais, sei lá, cheia ou rica, tem que fazer isso do jeito que mais complemente a coisa, ao invés de tudo ser uma explosão.

Pérola: Esse disco se chama Sem Esperanças, e acho que a música de vocês evoca questões que são profundas, no sentido ou da liberdade, ou de um mergulho mais intenso, de sensações e emoções. E o que esse título quer dizer assim, inclusive com relação ao nome das letras, “Demiurgo”, “Paraísos plásticos”, “Cegueira” etc. E também com relação à questão de a bateria ou da percussão chegar mais na frente em umas faixas, nas outras ter um pouco mais de quebra, de silêncio.

Douglas: Sim, sim. O título entrou meio orgânico, porque era um apelido pra primeira tour do nosso projeto. A gente foi fazer uma turnê junto, lá em 2018, e ali o apelido dessa turnê era No Hope. A gente se identifica, eu me inspiro pelo corre do TEST, que é essa parada da gana de fazer, né? A gente faz, independente de qualquer coisa, a gente tem essa pira de criar e fazer o nosso som, e expandir o máximo que der. Enfim, aí colou o nome da turnê. A gente fez a primeira, depois fez a segunda, depois fez a terceira, quarta, quinta, e aí foi natural que virasse o título do disco. Sobre o título das músicas, eu que escrevi as letras, mas é um processo curioso trabalhar nesse sentido com o TEST, porque o João faz os vocais sem letra e pede pra outras pessoas encaixarem as letras em cima desse vocal que tem uma melodia. E isso meio que inspira as palavras que vêm também, né? Eu achei curioso fazer dessa forma.Tematicamente falando, é sempre explorando a sombra das coisas, da realidade que a gente vive. É uma parada de falar sobre a realidade mesmo, jogar a luz na sombra mesmo, né? Acho que música tem esse poder de conectar tudo. É meio por aí.

Pérola: E tem alguma coisa nesse disco que vocês chegaram, um ponto de chegada musical que vocês sentem que não tinham chegado antes? Alguma coisa diferente? Não no sentido de evolução, mas de criação, de ideias.

João: Eu tenho certeza, 100% do disco pra mim é isso. Até assim, porque cada banda tá indo pra uma direção diferente, agora cada vez mais longe. E acho que nesse disco a gente naturalmente centralizou, deu uns dois passos para trás do que as bandas faziam e acabou virando um novo estilo. E acho que o maior prazer é as pessoas falarem que a gente tá criando um negócio ali que não tem nada parecido. A gente tá em 2026 quase e conseguir fazer isso é muito legal pra gente, que a gente sempre busca fazer uma coisa diferente.

Pérola: E esse show de hoje aqui no SESC, que é o lançamento do álbum, a gente vai ouvir só o álbum ou vai ter no setlist alguma coisa da carreira de cada uma das bandas?

Barata: Tem também. Tem a maioria a música do disco novo, mas tem também um som do DEAF KIDS, um som nosso, que a gente vai tocar em conjunto ali. 

Sarine: Porque a gente já fez, inclusive, shows com uma banda só em vários contextos, inclusive. Tipo assim, se for documentar só show, ao mesmo tempo, valendo, com as duas bandas, com esse nome da banda… Porque, por exemplo, eu e o Douglas já tocamos com o TEST, como participantes do TEST, sem necessariamente ser o DEAF KIDS participando do show.Então, já tocando tanto tempo, já tem até repertórios que foram abandonados de versões expandidas das músicas das duas bandas, sabe? Então, hoje tem um pouco disso também por causa dessas duas músicas. Mas a pira é tentar focar nesse acontecimento do disco.

Pérola: O TEST já chegou aos mil shows, o DEAF KIDS também já passou por diversos festivais no mundo inteiro. O que surpreende vocês ainda de chegar no palco e promover esse encontro?

João: Isso é o infinito, parece. É tanta coisa que acontece no mundo, a gente já tem tanta conexão, que você vê uma pessoa que você conhece tá ali e você fala, “pô, então dá pra fazer isso”. Então, é infinito, surgem muitas coisas. Eu acho que cada vez mais o mundo vai ficando pequeno e parece que tudo é possível. Lógico que tem essas grandes marcas que parece que todos os artistas querem estar. Que é louco, lógico que também a gente gostaria de participar, só que não é o foco principal das bandas estar ali, o foco é continuar inventando outras coisas. E quando a gente consegue participar, é convidado assim, é sempre um prazer também. Então, tem muita coisa ainda pra explorar.Douglas: Total. Uma coisa que me surpreende É que independente de qualquer cidade, palco, lugar, você vai tocar, bate um friozinho na barriga bizarro. Eu acho louco que existe ainda. É uma sensação daquela gana de querer fazer. Então, é muito uma coisa que alimenta o espírito em outro lugar, assim. A gente roda, faz turnê, é cansativo pra caramba e o que mantém a gente vivo são aqueles 40 minutos de música que recarregam tudo, energiza e tudo mais, é muito louco.Sarine: Inclusive, o material em si, as duas bandas tem esse bagulho que é todo show é uma loucura organizada, então ainda surpreende porque várias vezes acontecem coisas diferentes. A coisa vai mudando naturalmente, tem até música começou a ser tocada depois de uma tour, que aconteceu alguma coisa legal e que aquilo se manteve, sabe?Barata: É, bem assim, quando perguntam do nosso estilo, eu sempre falo que é uma coisa que não tem regra. Isso que o Mariano falou rola direto com a gente também, de a gente estar num show, aí o João faz uma coisa, às vezes ele erra, ou às vezes eu erro, e aí no show seguinte a gente lembra do erro e faz de novo. Aí o outro já sabe que, firmeza, agora a música é assim, desse jeito. Às vezes o João chega e fala, “mano, aquele negócio que você errou ficou da hora. Você lembra?”. Às vezes eu não lembro, mas quando eu lembro, aí já faz parte da música, às vezes já muda completamente.

Pérola: Massa, e pra quem não conseguiu vir no show hoje do Sesc? O que a banda planeja futuramente?

João: Provavelmente vai ter esse show de novo, só que não vai ser tão fácil de acontecer em São Paulo, pelo menos. A gente pretende fazer em outras cidades, até fora também. Só que justamente para deixar algo mais especial, assim, a gente vai dar uma segurada aqui em São Paulo para fazer.

Pérola: Valeu, gente. Bom show para vocês. 

Assista trecho da entrevista no @poroaberto.

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Está difícil cair a ficha de que Jards Macalé não está mais neste plano desde ontem. Para quem gosta de música e de música brasileira, as últimas décadas do mais sacanas dos ditos malditos foi de alegria e proximidade. Quanto mais postam fotos, vídeos e selfies com esse elegante e muito particular malandro carioca*, mais difícil é de acreditar. 

Essa noite, tomada por um sono agitado e quase insone, sonhei que ele tocava em um quintal enquanto eu ajeitava uma mudança com muitas caixas. Mas parei tudo e peguei uma câmera super 8 de madeira, que acendia uma luzinha branca (sonhos…), e o filmava com muitos movimentos circulares. A urgência de uma captação analógica com um equipamento que não existe talvez seja a vontade de mantê-lo gravado, ainda que não muito nítido, mas de forma perene.

Creio que ninguém se interesse em como ouvi Macalé pela primeira vez (ao menos não nesse momento); nem como foram as vezes em que estive perto dele (foram muitas). Todos os ensinamentos, histórias (hilárias), interpretações e tiradas dele, aí sim, essas são de interesse público. Deixo aqui algumas, as que já foram publicadas. As demais, aos poucos vou puxando desses meus neurônios cada dia mais desconexos. 

Puxa, Jards!

Não estávamos preparados, mesmo sabendo que a vida é assim. Você vai nos acompanhar sempre, nos momentos bons e também naqueles de soluços, cansaço e melancolia de ver o barco sacolejar em marés tormentosas. 

Deixo um abraço para os amigos que eram próximos, parceiros e que tocaram com o professor.

 * Ele eterniza o figurino atual do malandro. Esqueçamos, por hora, o terno branco e chapéu, lembremos da camiseta de super-homem por debaixo da camisa florida ornando com o all star; da bermuda com havaianas; e até mesmo da belíssima capa com João Donato, ambos nus - de meias e beckzinho a postos. 

Jards Macalé: “Experimental é a Vida”!

Dezembro 1, 2015

No último dia 14/10, véspera do dia dos professores, Jards Macalé e Paulo Nenflídio foram os convidados do curso organizado por Tato Taborda e Hélio Carvalho no MAR, que chama Polifonia – Arte Sonora: pausa na emissão. É este evento que a foto ao lado registra. O diálogo abaixo se refere a uma pergunta feita ao músico ao fim de sua apresentação:

– Macalé, você se considera experimental?– Experimental é a vida.

Não, não fui eu que perguntei, eu jamais faria esta pergunta. E não fiz nenhuma, porque tudo que eu conseguia pensar ali eram questões históricas e sociológicas e nunca musicais, preferi me calar. Mas apesar de parecer uma pergunta “boba”, é uma questão primeira e fundamental. Fora que nenhuma pergunta é tola, ainda mais quando quem vai responder é brilhante como Macalé. Qualquer esboço de pensamento que provoca-lo vai arrancar algo genial ou, no mínimo, engraçado.

Quanto à questão colocada, o impulso tende a ser pensar: “é lógico que ele é” – ele havia acabado de debulhar o violão diante de nossos olhos e passou os 5 dias da semana anterior no (genial) Macalândia, cuja proposta era realmente desconstruir 4 de seus discos acompanhado de outros músicos mais novos do que ele – Ava Rocha, Chinese Cook Poets, Thomas Harres, Meta Meta, Cadu Tenório, Eduardo Manso, etc.

Já vi Jards se apresentando algumas vezes, em lugares diferentes, com propostas diferentes. Apesar de não ter visto o resultado do Macalândia, já havia visto um encontro dele com Thomas Harres e Kiko Dinucci na Audio Rebel.

E também em Salvador, na ocasião de uma homenagem a Itamar Assumpção na Praça Tereza Batista, no Pelourinho, em que o vi cantando Negra Melodia (que àquela altura da minha vida, eu escutava sempre na versão de Nancyta e os Grazzers). Neste dia, que eu não me lembro o ano, ele foi sucedido por um time de artistas como Arrigo Branabé, Anelis Assumpção, Mariella Santiago, etc. Outra vez o vi no Teatro Castro Alves, só ele, seu banquinho e seu violão. Aí posso dizer que ali naquele banquinho vi Jards sendo o todo de sua carreira. Chegando com uma camisa alaranjada ao palco do teatro e, antes de se sentar, arrancá-la e ficar apenas com a camisa azul royal do super homem, ele cantou e contou histórias clássicas: como a de sua pareceria com Moreira da Silva. Sem nunca perder o tom jocoso, algo meio tímido e pensado.

E ali no MAR (Museu de arte do Rio), Macalé, quando chamado a vir à frente da sala de aula, sentou e tocou sem parar, na maior parte do tempo com os olhos fechados, um repertório que ele disse que estava montando mentalmente enquanto conversávamos antes da aula começar, de acordo com o que cada um falava. Em algum momento ele entrou no repertório bossa nova e começou a cantar O Pato. E entre a execução no violão e o canto que sobressaltava a batida, ele, em retorno, sincopava o canto com onomatopeias que pronunciava substituindo a letra da música. Neste instante, Macalé nos colocou para fazer um coro ao longo de O Pato, pedindo que imitássemos qualquer bicho. Parece ridículo, mas eu, que só poderia imitar uma gralha, novamente me calei e pude escutar o coral de supostos bichos e risadas que vinham de trás de mim e do violão à minha frente, junto com o “quen quen” que Jards emitia. Foi um momento alegre, não bobo, nem tão inusitado ou original como acreditam os mais ingênuos (eu inclusa), mas inédito para mim. Neste momento, algumas referências se encontram.

Em primeiro lugar, depois da aula me dei conta de que o recurso usado na aula havia aparecido no documentário Macalé – Há um Morcego na Porta Principal, de Marco Abujamra e João Pimentel. No documentário, enquanto os diretores o acompanham num passeio pela lagoa, ele conta sobre um dia em que estava andando à beira de uma lagoa (que não sabemos se é aquela ou não), na qual havia alguns patos em volta, e ele começou a brincar, tocando e imitando os patos. A surpresa foi que, na história de Jards, os patos responderam. “Qué queren quen”, canta ele. E diz no filme: “isto eu queria fazer no palco, mas onde é que eu vou arrumar o lago e os patos… selvagens?”. “Patos que respondem”, diz o diretor. “Não, geralmente eles respondem! Eles são malucos”.

Certamente que uma horda de humanos, adultos, sérios, em horário de trabalho (que na academia, quando este é sério, é todo sobre desconstruir e reconstruir incessantemente), imitando patos e galos e galinhas e lobos, mais do que ridículo, soou alegre e divertido. Se a alegria é o jargão que funda mitos sobre a constituição do brasileiro, mais do que a prova dos nove, ela também já foi o ponto chave de análise da bossa nova. Que por incrível que pareça, é um assunto que tomou todas as minhas conversas musicais com meus pares nas últimas semanas.

E, por fim, ele contou sua última história neste dia, sobre quando João Gilberto o convidou à sua casa. Chegando lá, ele ficou por horas tocando sem falar nada, no que Macalé acompanhou até decidir ir embora. E neste dia JG teria lhe contado um segredo: A bossa nova não existe. O que existe é o samba.

Caminhando entre anedotas, clichês e invencionices, um fio conecta todas estas delongas: a repetição. E acredito que uma certa repetição que vemos em artistas como Macalé seja variações e improvisações sobre o mesmo tema, o que o tornam se não infinito, ao menos múltiplo. É de se perguntar por que certos artistas (e muitos deles consagrados, como Macalé), escolhem determinadas canções para figurarem para sempre em seu repertório. No caso de Macalé, o aspecto da desconstrução é claro. E por tantas vezes repetido, tal atitude toma o ar de missão educadora. O que Macalé quer nos dizer toda vez que executa Para Ver as Meninas ou O Pato? O que essas canções nos ensinaram – e, na verdade, o que a bossa nova, mais do que nos ensinou, nos tem ainda ensinado? Pois não são poucas as controvérsias que causa, entre os estudiosos, a forma como o estilo é tratado dentro da história da música brasileira. E como subverteremos a forma como contaremos a história da nossa música popular? Conseguiremos dinamizá-la? Ou apenas seguiremos substituindo um totem por outro, os tornando ciclicamente tabus insignes de demandas sociais próprias de um tempo específico?

Diante de todos estes fatos, os quais todos eles me sensibilizam de uma forma muito direta, é preciso pensar que o que Jards Macalé se considera, quando questionado sobre se é ou não algo, ou como ele se porta diante da definição de “experimental” – rótulo que costumamos muito falar nos dias de hoje, mas sequer ousaríamos atribuir a ele lá logo depois do episódio da primeira apresentação de Gothan City. E sua resposta foi “experimental é a vida”. Uma resposta cósmica, filosófica, sábia, cômica e irônica, como ele é. Pois, para mim, Macalé é um daqueles artistas que ensinam em pequenos gestos e grandes doses.

Por Pérola Mathias (texto originalmente publicado no blog Poro Aberto)

Conversa Polivox com Jards Macalé - Revista Amarello

“Jards Macalé - O que eu musico já tem internamente música. Quando Capinam me dá “Movimento dos barcos”, que não tem uma frase musical igual a outra, e é extensa, a música já está dentro do poema, já emana sons, o som da palavra, e do som me vem a música em cima da palavra, nota ou seja lá o que for, ou frases inteiras, que vou musicando e vão saindo as melodias. Tanto faz a bula de remédio como a notícia de jornal, como um poema, seja de quem for, seja de Vinicius, seja de Ezra Pound, seja de Maiakovski, seja de Manuel Bandeira, seja o que for, tudo isso é material, para mim é música. Quando eu leio, eu sinto o som saindo daquelas palavras, aí me dá vontade de me apropriar das palavras em sons”.

Eu tirei da edição final da entrevista esse trecho, mas nesse dia ele me deu o jogo do bicho.

Resenha Miúda para o disco “Coração Bifurcado”

https://www.instagram.com/p/CtINfn2J4ew/?img_index=1

Resenha falada sobre o disco “Mascarada”, com Sérgio Krakowski Trio, em que regravam Zé Keti (uma joia da década)

Resenha Miúda para o disco “Síntese do Lance”

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Pisar o chão é uma forma quase sagrada de conexão. Como o é a dança e o canto como ritual. No caso do dancehall, a comunhão em torno da música, seus graves, o sistema de som e, claro, a voz que comanda o baile. 

Sister Nancy chegou em São Paulo depois de uma passagem por Salvador, onde fez uma participação especial no show do Baiana System no festival Afropunk. Parece que a referência máxima do estilo - base da banda baiana e tão cultuado na cidade - só cantou em três músicas, o suficiente para fazer história. 

Mas graças ao Queremos!, quem a acompanhou em São Paulo ganhou um show completo, em que ela anuncia que irá fazer um show no qual toca as músicas do disco de estreia - e, por muito tempo o único - “One, Two”, que completou 43 anos. O roteiro pode até parecer que não é novidade, mas a forma como Sister Nancy incorpora as próprias músicas, improvisa na voz e cria com seus movimentos únicos transformam o espetáculo em algo raro. 

Em entrevistas que já deu ao longo da vida, ela afirma que não se sente insegura desde que pegou o microfone pela primeira vez, por volta dos 15 ou 16 anos, mesmo que o cenário do dancehall na Jamaica fosse dominado por homens. Ainda mais ela tendo sido criada em uma família super conservadora. 

Os gestos todos de Muma Nancy mostram que ela é uma autoridade para além de qualquer tipo de plateia que pintasse ali. Ela ensina como se deve responder, como cantar e quando fazê-lo. Foi simplesmente icônico ela mandando um “shiu” para coordenar reações e coros.

O show foi bem mais curto do que a apresentação de outros ícones da música jamaicana que já passaram pelo palco do Cine Joia e que tive a honra de presenciar, como Lee Perry, Twinkle Brothers e, mais recentemente, Marcia Griffiths. Todos eles fizeram ali noites memoráveis, mostrando que o espaço é um bom anfitrião para o gênero. 

Claro que o hit máximo da artista, que atravessou todos os continentes e foi sampleado por um sem número de artistas, “Bam Bam”, foi a última música. Mandando todo mundo embora em estado de apoteose. 

Quem segurou as bases para Sister Nancy foi a DJ Lys Ventura que, além de competência técnica e sensibilidade nas picups, deu um show à parte de simpatia introduzindo e se despedindo de Sister Nancy. Se, por acaso, alguém da plateia estivesse ali para conhecer o som ou a artista, foi bem contextualizado. 

Talvez a escolha de tocar apenas o primeiro disco tenha sido uma maneira de simplificar a dinâmica artística e logística da turnê - que ainda passa pelo Rio de Janeiro hoje, 13/11. Mas não por falta de espaço de ver ela interpretando as músicas do seu segundo álbum, Sister Nancy Meets Fireproof, ou do mais recente Armageddon, lançado este ano, com produção de Mad Professor e do qual, inclusive, ela usava a camiseta. 

A artista voltou a ter seu nome circulando pelas principais revistas de música do mundo neste ano de 2025 também por causa do lançamento do documentário “Bam Bam: The Sister Nancy History”, de Alison Duke. 

A festa seguiu com o Fresh Dancehall, que também abriu a pista. Antes ainda, Lei Di Dai fez seu show solo, mas para uma terça-feira, chegar antes no rolê para ver todas as atrações não foi uma realidade.

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